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都市里的吟游诗人——小议王家卫电影

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2008-10-5 17:53:14

我看电影是从王家卫开始的,至少认真地看电影是这样。

也有不少年头了,总觉得该放下,老陷在一个人的电影世界里面可不好。

怎么放下呢?王朔说,写出来的东西就算是放在那里了。

于是就有了以下文字。

 

旺角卡门》是王家卫的处女作,明显不用于当时以吴宇森导演为主导的黑帮片风格,《旺角卡门》讲述了一个令人心酸的小人物故事。

刘德华饰演的华哥混在黑道中,一天,他的表妹阿娥(张曼玉)来到九龙治病,并闯入了华仔的生活。张学友扮演的乌蝇是华仔的小弟,脾气十分坏,想要风风光光,自己却总是到处捅娄子,典型的成事不足败事有余。后来为了给弟弟的亲家送礼,借了TONY哥(万梓良)的钱,从此惹祸上身,最后乌蝇决定要做社团里面的最危险的任务。华仔此时已经厌倦了江湖中的打打杀杀,想要退隐,得知这一消息之后,想要劝退乌蝇,未果。出于强烈的兄弟情谊,他也参加了,最后死于警察局。

作为王的第一部作品,《旺角卡门》显然仍然受制于当时类型片的框框条条,依然充满了传统的黑帮元素,江湖恩仇,兄弟情谊。当然王家卫还是排出了自己想要的东西,江湖小人物的卑微心酸,爱情故事。这些都是和当时黑帮片氛围格格不入的“反英雄”元素。须知当时还没有后来的银河映像,整个黑帮江湖片都是吴宇森式的兄弟义气,小马哥这样的高大英雄。只是那时的王家卫远称不上是颠覆了黑帮片的含义,充其量也只能算是拍出了新意。

在《旺角卡门》的世界里面,每个人都是真实立体的,都有自己的小情感,都会厌倦江湖的打打杀杀。在传统黑帮电影里面被有意忽略的爱情关系也被提高到和男人之间兄弟情相当的地位,阿娥和华仔的感情戏细腻得完全不属于江湖世界,在电话亭的热吻成为了一个永恒定格的经典。两条线,一条是江湖仇杀,一条是伤感爱情,两条线的交错纠缠创造出了一种完全不同于以往的风格。

当然作为王家卫而言,最想讲的主题自然是爱情,但受限于现实情况,他不得不在黑帮江湖里面讲述自己的爱情故事,却是因为这样的妥协,留下了一个另类作品,对王家卫和对香港电影而言都是这样。对王家卫:这是他唯一一个黑帮片,他想讲自己的故事,但却又不敢那么明目张胆地讲;对香港电影:原来黑帮片还可以这么拍啊,自此高度模式化的黑帮电影有了更多的可能。

王家卫的初试啼音获得了很大的反响,这之后不久就有了《天若有情》,其中明显可以看到《旺角卡门》的影子。当然,这种别出心裁的故事构造手法在后面演变为极具风格的个人作品之后,大家的反应就显得有点不一样了。其实在这部片子里面王家卫追求自己风格的野心已经初露头角,那个被阿娥藏起来的杯子难道不是恋物癖的轻微表现吗,更遑论那个几乎可以成为王家卫系列电影里面的一个主角的点唱机。当华仔说“自己没有办法给你一个承诺。”的时候是否大家都想起了拒绝这一从头到尾贯穿王家卫作品的母题。华仔死之前回忆起与阿娥的街头热吻是不是有点意识流的意思了?

在画面上,虽然没有后期作品那样的风格十足,但在传统之中仍然不经意流露出些许新意。镜头的跳转十分快捷,让习惯了香港电影中懒洋洋的叙事手法的观众感到了新鲜感。有几个摄像角度也是独具匠心,即使比不上后来的整部片子都没有固定方位的拍摄特点,也足以使人们印象深刻。抽格慢镜的使用更是使其名震江湖。

刘德华,张曼玉,张学友,那时都是青春年华,在旺角卡门里面都有非常不错的演出,虽然突破不见得很大,但也是交足了功课的。英气勃勃却又无奈心倦的华仔,勇敢追爱的阿娥,心酸卑微却死要面子的乌蝇,人物塑造的都很到位。可见一个好的故事和好的导演给演员带来的帮助是质的提升。

这部片子当年横扫香港金像奖十余项提名,这个现象在王家卫的电影中当然很常见,但不常见的是这部片子同样票房长红,真真称得上叫好又叫座。如果王家卫知道自己后面的影片会有那么惨淡的票房,他还会那么笃定追求自己的风格吗?

 

 《阿飞正传》是王家卫风格确立之作。人物旁白的引入,六零年代的音乐,独特的构图和摄影角度,种种在作者后期电影中大放异彩的手法都可以说始至这部作品。

阿飞,指无所事事的小混混。男一号旭仔就是这样一个“阿飞”,在哥哥传神的表演下,这个旭仔是如此的潇洒不羁,浪漫迷人,以至于他能很容易获得别人的爱情。苏丽珍在杂货店做事,旭仔高明的用“一分钟”的故事获得了苏的好感,发生关系之后,苏寻求和旭仔的一种稳定的关系,被无情拒绝。露露是歌厅舞女,在一次旭仔去痛打自己养母的情人的时候认识旭仔,并被旭仔带回家。露露想要独占旭仔,却发现这也是不可能的。张学友饰演旭仔的一个朋友,很喜欢露露,在旭仔离开香港之后,想要照顾露露却被拒绝。

刘德华的角色开始是警察,并且在苏丽珍最痛苦的时候陪伴在苏丽珍身边,充当一个倾听者的角色。在母亲死后去跑船,与旭仔在菲律宾不期而遇,一同逃命。梁朝伟在片尾作为另外一个“无脚鸟”阿飞登场。

纷繁的人物设置也成了王家卫早期电影的主要标志之一,繁芜的人物之间大多有千丝万缕的联系:旭仔和苏丽珍以及露露之间的关系自然是情人;苏丽珍和小警察(刘德华饰演)之间实际上是倾述和被倾述的关系;张学友是旭仔的好朋友同时也爱着露露;梁朝伟的出场无疑是另外一个阿飞。

这种多人物设置在王家卫早期电影中很常见,《东邪西毒》《重庆森林》《堕落天使》等等大多如此。在表现现代都市爱情的方面这种设置很容易表现出现代人爱情的不可控性和随意性。以及城市中人与人之间复杂微妙的关系。



旭仔在片中最想做的事情是找到自己的亲生母亲,然而即使最后到了菲律宾也不能见她一面,这让旭仔很受伤。这其实是港人无根漂泊感的具体体现,这种情绪在本片中一直都存在着(如果你愿意你还可以把这种关系看作是一个隐喻,旭仔是香港,两个母亲是两个国家,爱自己的那个母亲自己却无法认同,自己想见到的母亲不愿意见自己)。最大的例子自然是高度浪漫化的“无脚鸟传说”。

除了这种漂泊感以外,旭仔的感情内核还有向别人索取很多很多爱的这一种需求。或许是自己养母的交际花身份,或许是因为其他,旭仔的感情显得受过很大伤害,对爱情失望乃至于可以说是绝望,即使别人给了自己很多爱,他依然无法满足或者说获得足够的安全感。无论是活泼直接的露露还是温婉文静的苏丽珍,都在寻求与他建立一种稳定的关系时被无情地拒绝。

本片开始引入王家卫电影中最大的一个母题----拒绝与被拒绝。这一主题的本质是现代人畏惧被伤害的情结。旭仔在某种程度上拒绝了苏丽珍和露露,露露拒绝了张学友的角色,小警察隐隐地以跑船来拒绝了苏丽珍。甚至,旭仔的生母拒绝见旭仔也是这一主题的表现。

王家卫导演是巨蟹座的,这一星座最大的特点便是像巨蟹一样会用一个“壳”把自己封闭起来以防止外界的伤害,他只不过是在自己的作品中把这个情结放大了。当然也契合城市中芸芸众生那脆弱的心灵,因此获得了很大的共鸣。特别是片中人物总能在恰当的时候流露自己刚强外表下的脆弱内心,这个手法十分能获得观众的同情。只是不知道我们是在同情片中人物还是在同情自己。

一些对小物件的重视也可以视为是张爱玲式恋物癖地延续。类似拖鞋,钟等易于被忽略的小物件在王的电影中扮演着微妙的角色。它们都被人为的注入了感情,如《重庆森林》中的毛巾,《东邪西毒》中的鸟笼,《花样年华》中的香烟等等。都寄托了片中人物难以言说的感情。

插一句,我注意到一个很小的细节,小警察在菲律宾住的房间号是204,只差一个6就能组成《花样年华》中周慕云所住的酒店房间号了。觉得很有意思,小到一个门牌号都已经被作者注入了个人的感情。难道这个号码对王家卫先生有很复杂的意义吗?

本片的色调也带有强烈的个人风格:蓝绿的冷色调,雨夜取景。后面王的电影不一定用相同的色调,但一定会有自己的一个色调主题,如《东邪西毒》的大漠黄,《花样年华》的暖红,《春光乍泄》的暧昧黄,等等。不同的色调却都强行的制造了一个属于影片的气场。让观众很容易的进入于影片的状态。

张国荣凭借此片拿到了香港影帝,引发了王家卫电影中男主角的疯狂拿奖运。然而个人觉得阿飞这个角色较之其以往扮演的角色也并没有说有多大的突破。倒是整部影片的高质量帮了演员很大的忙。也并不是说哥哥的表演不精彩,他的演出很恰当的诠释了一个六零年代的浪子形象,可谓是一个经典的角色。只是我更愿意说这个奖更多是对导演的肯定。两位女主角的演出也是很精彩,露露的活泼,苏丽珍的内敛都被表演的恰如其分。(如同戏中一样,在冲击电影奖项方面,张曼玉和刘嘉玲一直是对手,刘的多次提名都是被张横刀所夺。这成就了一代影后张曼玉,同时也是刘嘉玲从影生涯中不大不小的一声叹息。)

甚至是当年那个刘德华也给人不同以往的感觉。这些都可以看出王家卫对演员的调教是非常厉害的。特别是为人津津乐道的梁朝伟“最后三分钟”的出场,漫不经心的修指甲,抽烟,穿衣,装钱,梳头,另一个阿飞活脱脱的展现在众人面前。甚至有金像奖评委说,“只凭借这三分钟,梁朝伟就足以提名影帝。”

前文已经提到,这部片子是王家卫确立自己鲜明风格的一部作品,除了已经提到种种,对香港类型片的颠覆亦是前所未有的。《旺角卡门》中的独具匠心在本片中已经进化为彻头彻尾的颠覆。如果说《旺角卡门》中王家卫是拍出了江湖黑帮中的爱情,《阿飞正传》则已经完全跳脱出类型片的限制,包括在其后期作品中出现的杀手,警察,江湖侠士,都只是一个不同于传统意义的符号。

在墨镜的世界里,时间是被抽离的,在某种层面上来讲,所有人都是相同的普通人,都有着自己的小情感。这一点不同于以往港片中的人物形象,颠覆意义巨大。

这次颠覆是获得香港主流舆论的认可,横扫金像奖的最佳电影,最佳导演,最佳男主角等重要奖项。而后来的《东邪西毒》则被视为不可原谅的“离经叛道”,搅得满城风雨。当然这是后话。

 

写《东邪西毒》,我是很挣扎的,对这部电影的情感是如此的复杂,让我敲打键盘的手都变得沉重起来了。

不光是我,我相信国内很多同学都十分喜爱这部电影,我觉得,其中最关键的因素当属那一句句富含哲理的精炼梦幻的台词。例子太多,我就不一一列举了,当然我也举不过来。前文已经说了,这片的成功,旁白功不可没。此片中旁白的数量也达到了王式电影的巅峰,大量的旁白直接了当的传达了影片的主观思想。

不管是梦呓般的独白还是禅悟般的对话,一句句都击中了观众们寂寞孤寂的心灵,涤荡了影迷的灵魂。事实上,如此多的旁白其实可以算是一个无心之过,结果却是使《东》成为无数影迷心中的神作,当然也包括我。

当时,王家卫排如此大的卡司,用这么强大的阵容,野心不可谓不大,但也是因为野心太大,导致导演的想法太多,用力太过。剧本是边拍边改,结果拍着拍着,最初的创作意图早已模糊泯灭,只剩下大量的素材,于是剪辑谭家明张叔平和王家卫一道将错就错,天马行空地剪了起来。由于故事情节相对于经典的武侠片而言显得很离奇,观众不容易理解,于是张叔平想出了加入大量独白的办法来帮助观众“看”电影。

虽然各位大侠对此片的剧情堪称烂熟于心,我还是忍不住聊一聊。

西毒(张国荣饰)最爱的女人由于自己的逃避,嫁给了他的哥哥。负气之下,他离开白驼山,远走大漠,并在此开了一个帮别人解决麻烦的小店,自此以后,“阅遍千帆过尽”的西毒冷漠无情地旁观着一段段江湖儿女的爱恨情仇。

慕容燕/慕容焉(林青霞饰)本是一个人,在其男扮女装时和东邪相遇,由于东邪的一句酒后戏言而爱上他,殊不知东邪并不爱她,因爱生恨,爱恨交加之下,她找到西毒,要求其杀掉东邪,未果,和西毒互相错位的小小慰藉之后离开伤心地,成为独孤求败。这里用于抚摸的手在电影中充当了情欲的符号,忘我投入的轻抚佐以如梦如幻的配乐,气氛十分到位。也可以看出手在导演心中的地位,甚至多年以后拍的《爱神》中王家卫的那一部分里面,手直接成为了爱欲的主题。而在这里两个相识不久的人互相抚摸也只是为了找回爱情的慰藉。

杨采妮饰演一个为弟弟报仇的女人,西毒留下她的原因是她很像他大嫂,这其实也是在探讨现代爱情的:真正的爱只有一次,后面多少都是为了寻找第一次的爱情。无独有偶,后来梁朝伟饰演的盲剑客也把自己爱人的影子投射到杨的身上。

盲剑客(梁朝伟饰)的老婆桃花爱上了东邪,而东邪又是自己的朋友,两难之下盲剑客选择了离开。在自己眼睛快瞎的时候,为了回家再看一眼桃花,盲剑客来到西毒的塞外小店寻找凑集盘缠的方法,其实盲剑客和杨采妮之间有非常非常暧昧的情感(当然,盲剑客只是把她当作桃花的替代)。两人甚至发生了关系,杨有个和盲剑客聊天的镜头,其中内容暧昧自不必多言,关键是杨采妮晚上出现在盲剑客的屋子里面,并且后面紧跟的一个镜头是杨采妮在得知其实盲剑客对她并没有感情的答复之后,绝望伤心地走出屋子。不久之后,盲剑客出行之前强吻杨采妮。不过这个纯属个人猜测,王家卫这厮就好这口,让观众猜啊猜的,大家对《花样年华》里面周慕云和苏丽珍到底有没有发生关系也是兴趣盎然。不过这种做法其实也变相的扩大了电影的容量,增加了电影在观众的头脑中停留的时间。

桃花(刘嘉玲饰)是盲剑客的妻子,一直被盲剑客深爱,却无可奈何的爱上了东邪,片中都是以在小溪中洗马的形象出现。

洪七(张学友饰)来自乡下,拥有一颗单纯干净的心,为了生活闯荡江湖,武功高强,手脚利落。这个角色由于内心简单,所以幸福;因为幸福所以为西毒所妒。直指人心,因此最后和自己的妻子行走江湖。

西毒大嫂(张曼玉饰)心里爱着西毒,却因为得不到他的一个承诺从而赌气嫁给了他的哥哥。东邪也爱上了她,东邪每年去看西毒只为了能见一次西毒的大嫂。有一个小孩,因该是西毒的孩子(欧阳克??!),最终病死。

东邪(梁家辉饰)很想知道被爱的感觉,因此伤害了很多人,桃花,慕容燕,还有可能很多的人。最后,东邪去了桃花岛,隐隐暗示了他对桃花的愧疚感和无法挽回的爱意。

这个片子的结构是极度破碎的,故事是极度离散的,看似是时间顺序的结构实质上是具有很大的随意性。只有西毒这一条线算是把整部影片串联上了。这样的叙事方式具有典型的王家卫早期电影特色,众多的人物既象征了现代社会中的芸芸众生,痴男怨女,同时也让影片锐意十足,虚幻飘渺,捉摸不定。

影片最初的角色安排也不是现在这般,反而类似《东成西就》,其中最主要的差别是:东邪是由哥哥扮演,梁家辉则扮演南帝,西毒是梁朝伟。后来由于王家卫觉得哥哥太常扮演风流倜傥的角色,观众缺乏新鲜感。为了求变,决定让其扮演一个受尽情伤的西毒。这招果然收到了奇效,哥哥扮演的西毒,冷漠中带有蔑视一切的表情,沧桑中蕴含绝望无奈的神态,使之成为一个经典的角色。

角色所着衣服的色彩也是十分精彩,东邪的金黄很好的衬托了他风流倜傥的性格,盲剑客身上了盔甲暗示了自己保护自己不受伤害的态度,西毒前期的白衣很是完美,和后期的玄黑色衣服形成了鲜明反差,当然也表现了人物性格的改变。洪七身上简陋的衣服既表现了人物出身低微,也反映了他直指人心最简单的欲望这一性格。张叔平主刀的美术设计大胆的使用了不用于以往精致考究的古装设计,皱皱脏脏的服装反而营造出了一种朴实低调的质感,与整部片子的气质高度统一。

画面由杜可风掌镜,苍蓝天空,黄沙万里,枯藤老屋,闪电劈空,孤月初升,靛绿清湖,烂漫桃花,无一不是意境深远之物,进入杜可风的镜头之后更显虚幻绚丽,让人逐步进入梦境而不自知。此片是王家卫罕见的大格局之作,虽然感情主旨没有什么变化,不过波澜壮阔的取景更加深化了其意境,两者的结合更是似催眠般给观众带来完美的精神享受,叹墨镜之余作亦皆不可追!


一曲曲配乐更是堪称神作,其实单独听可能也没有什么特别的,不过这些曲子已然和《东邪西毒》那些经典画面紧紧联系在了一起,水乳交融,难分难舍。大漠的萧索,轻抚的缠绵,参破人生的苍凉,欲爱无力的无奈,一曲曲纯音乐与影片主题浑然一体,不可分割。
包括洪金宝指导的武戏也称的上佳作,不同性格的人打斗方式都是有差别的。洪七的直接,盲剑客的犹豫,西毒的狠毒冷漠,东邪的华丽壮美。似乎不同的武打风格也反应了人物的性格。

此片当时在香港评论界可谓掀起了满城风雨,本来在《阿飞正传》树立的王家卫鲜明的个人风格在此片中更进一步。但也由于其对传统武侠片套路的彻底颠覆引来了口水一大片,自此王家卫影片个性鲜明的影片也有了泾渭分明的受众群体,爱他的爱到要死,恨他的也恨得牙痒痒的。

对于我而言,《东邪西毒》是我最喜欢的一部电影,喜欢到我很难用理性的文字来描述。因为《东邪西毒》,我开始喜欢上墨镜,进而喜欢上电影。可以说没有《东邪西毒》,就没有这些篇冒充影评的涂鸦,这个情感确实有些纠结,唉,理不清了。

同年,在《东邪西毒》的后期制作中,王又创作了《重庆森林》,如同一罐可口可乐一样清新怡人。
 
 
在王家卫的电影中,最让人开心的,非《重庆森林》莫属。不仅仅是因为此片的结局是大团圆式的,可以说,整部影片的基调都很轻松。无论是八卦的速食店老板还是搞笑的印度人都会另观影者不禁莞尔,更遑论当阿菲夹带着不食人间烟火的“仙”气的出场的瞬间,一股清新的空气迎面扑来。

可能是刚刚顶着巨大压力拍完了《东邪西毒》,需要拍部轻松一点的片子调剂一下;也可能是导演本身的创作理念的微小调整。不管怎么样,他排出了《重庆森林》,一部清新快乐的上等佳作。

影片的主旨其实和《东》差别不大,都是表现现代都市人的浮躁流动的心理。只不过不同的是,前者借了一个武侠江湖的壳,而后者则是直接的指向生活在国际大都会的芸芸众生。

《重》的主要故事发生在四个人身上,金城武饰演的警员223刚刚失恋,这个内心敏感的小警员稍稍神经质地封闭自己,对数字和日期有着异乎寻常的着迷和敏感。林青霞饰演的走私毒品的女杀手,自我保护意识十分强烈,在夜里也需要穿着雨衣带着墨镜,被人骗了,最后冷酷的杀了人。如此两个失意的人,一个是生意上被人欺骗的女杀手,一个是刚刚失恋的小警察。内心敏感,寂寞孤独和封闭自我或许是他们最大的共同点。两人在一间酒吧邂逅,同宿一屋,却也什么事都没有发生。一场相遇之后,各奔东西,忘于江湖。

至于林射杀了那个外国男人ham的原因,我有点个人的小小看法:表面上他们本是生意上的合伙人,后来ham欺骗了林,所以林杀了他。我觉得还有隐晦的内容:他俩原来有着暧昧的感情(从后来男人和另一个同是带着金色短发的女人乱搞的时候可以看出),当然这类恋情也可以看作是男子对女杀手设计的骗局中的一部分,最后女杀手发现男人欺骗了她,于是杀了他。

警察223在愚人节那一天和女朋友阿may分手,在超市买即将过期的凤梨罐头。这里的时间期限的对象已经不仅仅是物品,更是无奈的现代爱情,尽管223反复强调的憧憬不过期的爱情,但实际上,这从反面强化了现代城市里面的男女情感危机。

两人在酒吧里面邂逅的一段很有意思。一方面是223的态度,“第一个进来的女人”会成为他爱的人,因为孤独寂寞而多话聒噪(当然其实他一直都比较话多);一方面是女杀手的冷漠态度,一幅拒人于千里之外的面孔。实质上两人都是一样,同是寂寞无奈的男男女女保护自己脆弱内心的措施。相较而言,223的内心更是脆弱不堪,人在脆弱的时候往往会在众人面前变得话多起来,因为他/她不想别人看出自己内心的寂寞。

通过223,导演引出了下一段故事,警员663和阿菲的故事。有三处地方展示了这一转接,一是同一个速食店,二是厨师沙拉,三是在天桥上。第一个就不多说了。第二个,223在酒店里面吃的厨师沙拉在第二个故事里面成为663前女友最早的夜宵。第三个,有一个镜头是663在天桥上看着233,紧接着一个镜头就是233冲上天桥,近似崩溃的奔跑,导演自然没有给出两人在天台上擦身见面的镜头,不过这等意图也已经很明显了。

厨师沙拉在影片中其实也很具有象征意义,可以看作是一个代表旧爱的符号。也可以和凤梨罐头,炸鱼薯条,批萨饼一起看作的可供选择的爱情。具有浓厚的后现代都市气息。

伴着轻快昂扬的《california dream》,影片开始了663和阿菲的故事,一扫前半段稍嫌沉闷的气氛。“阿菲是独一无二的”王家卫如是评说王菲。的确,彷若无人地存在于自我世界的阿菲,如精灵般的进入了画面。闪烁的大眼睛,喜欢白日做梦,古灵精怪的神态和行为。无一不带着十足十的现代人气质。令观影者深深爱上了阿菲这一角色。

663的女友把他甩了,失恋了的663在家里顾影自怜,梁朝伟在家里对着各种物品的呢喃自语,实际上当然都是说给自己听的。每次回到家都傻傻地期望女友会躲在家里给自己一个惊喜,这种“封闭自我疗伤”使梁朝伟成功的塑造了一个为情所伤的小警察形象,正是凭借此片,梁生第一次问鼎金像奖影帝。

先说说本片主演的表现,前文已诉,本片是梁朝伟问鼎金像奖影帝之作,一个受情伤的小警察形象非常符合梁生的忧郁形象,和以前他的荧幕形象相比,有很大突破,在《阿飞正传》之后第二次和王家卫合作便大放异彩。夺得影帝实至名归。除了梁生,最出彩的当属阿菲,在速食店自顾自的听着吵闹的音乐,偷偷地瞄663,偷听店主和663的谈话,在663家里更换物品,加金鱼,在水里加安眠药,试穿663前女友的空姐衣服等等等等,王菲(王静雯)饰演阿菲,可以说是完全本色演出,这个角色非常成功。


金城武的角色我觉得也很好,这个警察即使说不上被金城武演绎得入木三分,至少也算活灵活现了。不过他太过于帅气的脸让观众在进入那个角色时稍稍有点困难,这恐怕也是他长期不被金像奖评委所接受的原因吧。个人觉得林青霞的表演受限比较大,肢体语言又没有十分出色,只能说及格,比之其在《东邪西毒》里面的表演尚且有不足。

作为墨镜的早期作品,《重庆森林》依然带着王式电影一贯的标签,呢喃式的个人独白,随意的镜头剪接,破碎的叙事风格,抽离的时间空间。不过如同前文所说,这部片子还是具有自己的特色,轻快开心的节奏便是最突出的一点。另外,在这部片子里面,现代城市人对数字的敏感达到了极致,片中两位男主角没有名字只有数字,会过期的罐头(爱情),人与人之间精确到毫米的距离,25000尺的高空,这些数字大多反应了现代人缺乏安全感的状态,人和人之间的疏离感。这一状态在下面一段话里面变现的很充分。


在雨天的临晨,奔跑在操场上的警员223画外音“我是早上六点钟出生的,还有两分钟我就25岁,换句话来讲,我已经在这个世界上经历了四分之一个世纪,在这个历史性的时刻,我选择去跑步。”

这段话也抽象的概括出了王家卫创作的一个基本点:作为一个普通人,我们无力对外部的世界施加什么影响,而外部的世界却时不时会伤害我们。但是对我们自己这个个体而言,内心世界其实就是一切,正所谓“一念天堂一念地狱”,天堂还是地狱完全取决于你怎么看待这个问题。于是王的电影里的人物大多专注于自己的内心,并且拒绝与外界有很多联系。这种态度实际上形成了一个保护自己的壳。


本片的结尾也隐隐照应了《东邪西毒》,在663主动追求阿菲之后,她依然为了“山那边的风景”远走加州,不过就像墨镜所说的,其实山那边也没有什么不一样,回过头来,这边的风景也不错,何必总是向往自己没有得到的东西呢?相比于西毒欧阳峰的远走大漠,阿菲最终回到了那间速食店。一个干净的HAPPY ENDING。

本片的画面可以说是相当的碎,因为除了王家卫的御用摄影师杜可风,本片还加入被誉为“香港最好的手提摄影”的刘伟强。他的加入很正常地带入了大量手提摄影,当然我也相信这其实也是导演的有意为之。毕竟,最终的创作者还是导演。大量的手提摄影配以破碎凌乱的剪辑不仅是画面看起来很碎,更重要的是这既符合了城市中的快节奏生活,又暗自契合了片中人物浮躁不安的心理状况。虽然刚开始看的时候多有不适,不过一旦看进去了会发现这一手法大有味道。


配乐仍然是谱出了《东邪西毒》里面那一曲曲天籁的陈勋奇,然而本片多是用一些罐头音乐,几首纯音乐显然不够小胡子陈勋奇发挥的。当然,几首老歌也是选的有滋有味,据说这也有墨镜很大的功劳,很多音乐都是他自己选用的。除了耳熟能详的《carlifornia dream》,《things in life》也给人留下了深刻的印象。


《重庆森林》是《东邪西毒》的后期制作中抽空拍摄出来的。但正是这样一部随意放松的作品,为墨镜带来了无数的荣誉,最为人津津乐道的也是最具有现实意义的是塔伦蒂诺对此片十分喜爱,而后者刚刚凭借着《低俗小说》斩获金棕榈,可谓是红得发紫。他对此片的力推,也让更多的西方影评人认识了王家卫。
 
 
 
《堕落天使》大概是王导演的电影中簇拥最少的一部电影了吧,本就很出格的各种拍摄手法在这部片子里面表现的更加极端,而面向的人物则更是边缘到不行。

黎明饰演一个杀手,李嘉欣饰演其助理,两人通过位于天台的房间以及其中的一些小物品进行联络。李嘉欣的工作室帮助黎明收集情报,处理垃圾。杀手逐渐厌倦了自己的工作,并准备转行,这也就意味着他将和自己的助手断绝联系。在听完了点唱机放出的《忘记他》之后,杀手助理来到天台小屋,独自痛哭。而后杀手遇见了有点神经质的莫文蔚,莫文蔚饰演的角色坚持说杀手曾经泡过她,而杀手出于寂寞与其在一起。最后杀手还是遇见了杀手助理。为了曾经的感情,杀手决定再帮她做一件生意。并且与莫文蔚分了手,然而,这竟然成了他最后的生意,杀手被乱枪打死。

金城武的角色由于小时候一次吃了大量的过期凤梨罐头而从此再不说话,最喜欢做的事情便是半夜撬开别人家的门让自己当老板“做生意”,他爸爸是重庆宾馆的厨师,重庆宾馆也恰恰是杀手助理李嘉欣的住处。哑巴(金城武)在一次做生意的途中遇见了被男朋友抛弃的杨采妮,并与其一起去寻找她的情敌————金毛玲。在这途中,哑巴认定杨采妮是他的初恋,在一起去球场看球之后,杨采妮消失,哑巴去了一家日本餐馆做事。哑巴用自己打工的钱买了一部摄像机,并在自己爸爸生日那天用这部摄像机为其拍摄了一整天的纪录片。金城武的父亲死后,他遇见了杨采妮,这时的杨采妮已经成为了一个空姐,一切看起来都是那么的正常。在杀手死后,哑巴用机车载着李嘉欣回家。

恩,说好听点,《堕落天使》是王家卫最个性的电影。说客观点,《堕落天使》是王家卫最极端的电影。说难听点,《堕落天使》是王家卫最让人疲倦的电影。


技术手段上,《堕落天使》基本延续了《重庆森林》的手法,毕竟这两部戏的命题相较于王家卫的其余电影要更加接近一些,这两部的后现代性更强,在表现现代城市人的疏离和寂寞这个点上用力更重。

杀手和杀手助理的关系是很冷漠的合作关系,尽管李嘉欣常常通过黎明的一些小物品或者说是垃圾来找寻他的存在的感觉,她仍然是不敢正面他。杀手与莫文蔚扮演的角色之间的关系亦如是,两人都只是在这个陌生的空间里面寻找一种安慰和陪伴。哑巴同学更是完全活在了自己的独特世界里面,做着旁人看起来十分莫名其妙的事情,与杨采妮之间的关系也是完全自我构造。杨在受到情伤之后,神经质地和金城武寻找着那个不知道是否真实存在的情敌。


与《重庆森林》中光明快乐的结局不同,《堕落天使》的结局稍显灰色。杀手被杀掉了,杀手助理与被打的头破血流的哑巴一起走向不可测的未来,杨采妮无奈的向现实妥协,成为了一名空姐。即便金城武依旧勇敢的体验着每一个生命的感觉:“我从来都没有放弃过任何跟人磨擦的机会。有时候会弄到头破血流,管它呢,开心就好。”,你很难看到希望。


《堕落天使》是簇拥最少的电影并不是偶然,气质上更接近很多欧洲独立电影的她,即使放在王家卫的电影中也算得上是最小众的一部了。这样的内核显然不如后面的《春光乍泄》与《花样年或》讨喜,也比不上《重庆森林》的新意盎然,更没有《东邪西毒》里面深入浅出的台词来的更深入人心。


应该说,就影片主题思想而言,《堕落天使》的命题更大一些,重点表现了现代都市人的生存状态。只是在后来的《春光乍泄》以及《花样年华》之中王家卫再次将自己的着力点偏向了爱情,或者说是偏向了爱情中的伤害与拒绝。这样的命题总让人感到些许的酸楚,即使依旧有类似《重庆森林》中可爱的小幽默,如金城武强迫别人洗头,吃冰淇淋等,在不禁莞尔之后影迷们还是会不由自主的感到一丝刺骨的寒意。


不仅仅是影片思想上的变化,在技术上,这部电影基本延续了上一部也是使之大获成功的《重庆森林》,散点构图和完美构图的结合使用,没有定点的拍摄角度,大量的手提摄影的运用。除此之外,王家卫更是大胆的极端化了自己的风格,广角镜头的人物特写,不仅是重重地加了一笔抽象疏离的印象,还使人物的情绪保持了很大的张力。罐头音乐的使用频率超过以往影片,更加增添了现代人的特征和气质。更有甚者,人物的名字都被彻底的剥夺了,连代号都没有一个,凸显了城市冷冰冰的感觉。不消说,破碎的剪辑和自我的人物独白在这部影片里面竟显得不那么引人注目了。



不过即使《堕落天使》不那么吸引影迷的目光,她仍然有很多地方在时不时的提醒你:这是一部王家卫电影。恋物癖的延续,李嘉欣饰演的杀手助理对黎明使用过的垃圾是那么的迷恋;用黑白画面来表现人物的心理状况这一手法可以看做是《春光乍泄》的实验;在《东邪西毒》里面充当过情欲符号的手再一次登上了同样的舞台。诸如此类,不可胜举。


在演员的使用上,王家卫的思路也是延续甚至发扬了《重庆森林》。除开金城武不谈,王在《重》中大胆启用了新人王菲(当时的王菲可不是现在的天后),那甚至是她的银幕处女作,这一部戏中,王爷用了很多非一线的演员,莫文蔚,李嘉欣,在当时都不算十分的红,即便是“四大天王”黎明,也不能和张国荣梁朝伟这样的巨星一争高下。这种情况在墨镜的电影里面可谓十分少见,总所周知,墨镜喜欢用大明星。因为作为明星本来就具备一种符号的意义,另外明星也能很好的提升影片的宣传和影响。


所以说《堕落天使》是最具锐意的一部王式电影应该争议不大。应当说这部电影里面,表演算不得十分出色,只能说及格而已。(当然这是相对于他自己的系列电影而言,就普通层面来讲,也算的是中上之作了)不过仍然有几场戏给人留下了深刻的印象,如最后时刻李嘉欣坐在哑巴金城武的机车后座,让人在这部冰冷刺骨的电影中感受到了一丝暖意,李嘉欣在床上的自慰,可以让人明显感到人物的迷恋和挣扎等等。


《堕落天使》可以看作是王家卫先生的一次小结。自此以后,不知道是什么东西刺激到了王大导演,王家卫在《春光乍泄》开始进入风格的转型。
 
 
《春光乍泄》标致着王家卫转型的开始,批评者说自此王家卫已经毫无惊喜和锐气,支持者说《春》是王墨镜最完美的作品。

不管怎么看,《春光乍泄》与王以前的电影都有很大的不同,首先是故事,尽管一如既往的缠绵悱恻和题材边缘。但是在《春》中,故事被极大的简化了,在王以前的作品中你很少能看到这么简单的人物设置和故事,《春》自始至终都在讲述两个人的故事,至多算三个人。

哥哥扮演的何宝荣和梁朝伟扮演的黎耀辉是一对同性恋人,两人结伴到阿根廷旅行。但两人的性格却相差很大。何宝荣极不稳定,任性妄为,无拘无束;黎耀辉却温润如玉,安定温厚。何宝荣一次次在外羁荡,却又一次次伤痕累累地回到黎耀辉的身边,一句耳熟能详“不如我们重头来过”就能让黎耀辉屈服,一个借烟点烟的小动作便可以重燃感情。在黑白的画面中,这些情节尤其显得隐恻动人。

随着一次何被人痛打,他又一次回到了黎的身边,也是在这个时候,画面由黑白变为彩色,隐隐反应了黎的情绪变化。说黎是温润如玉,他还真的是。。。同何宝荣重新住在一起之后,黎开始强作笑脸来迎接观光客,以获取更多的小费。他为何宝荣擦洗身体,铺好棉被,深夜买烟。大清早放任何的任性与之一起去晨练,冷得发高烧却也给他做饭。尽管如此,这段日子仍然是黎耀辉最开心和幸福的日子。那段经典的两人在厨房里面慢舞更是极尽浪漫暧昧之能事。我最喜欢的一首配乐是两人在厨房跳舞时的那首配乐,极度暧昧的同时却有着一股子悲伤的感觉。让人久久回味,欲罢不能。

之后黎遇到了张震,这个角色来自台湾,一个人独自旅行。张和黎耀辉之间自然有说不清的暧昧情感。在本片删减的镜头里面甚至有张震试穿何宝荣的黄色皮衣这一情节。前面说过,何和黎的性格有着本质的区别甚至是冲突,因此后面何宝荣的再次离开也是很正常的。不过黎对于这一事实很难以接受,他买醉,出于寂寞地在电影院里面找情人。经过一番挣扎,他终于还是去了原本因该是两个人去的大瀑布,然后独自返回台湾。回到台湾,他去了小张的家,位于辽宁街的夜市中的一家小店里,偷偷地拿走了小张的一张照片。


何宝荣留在了阿根廷,住那间饱含着两个人回忆的小公寓,买香烟,擦地板,哭泣。

布宜诺斯艾利斯的夜空有太多的诱惑,只是不知道黎耀辉不开心的事是否真的留在了世界的最南端。

可以看到,这次的故事很简练,虽然情节很曲折,但是一直没有脱离这两个主角。王家卫由以前复杂的人物关系中跳脱出来,化繁入简,犀利直接的进入两个人的世界。这样做的结果是,少了飘渺不定的感觉,却多了扎实细腻的人物形象。这种策略在《花样年华》之中得到延续并大获成功。你当然可以说这是导演向世俗的妥协,但也可以说是王家卫对自己的反思和总结。不管怎么说,正是凭借着《春光乍泄》,王家卫获得的戛纳电影节的最佳导演。
故事虽然被简化,但主题并没有改变。两个人虽然性格迥异,但是依然带着都市人的标签。惧怕受伤,内心脆弱。在反复的吵闹聚散中,总有一方会先退出,另一方即便不甘也无可奈何,末了末了,只剩下疏离冷漠的外壳,横在众人中间,无形,坚固。


前文说了,《春光乍泄》是一部转型之作。一方面,导演用了更简化的故事,一方面仍然拥有相对散漫的叙事结构。前者在《花样年华》中得到了很好的延续,而后者也在《花》中得到改变,换作一个严谨到近乎滴水不漏的结构。在这个过程中你可以看到王家卫一样是在寻求改变,虽然步履缓慢,但一直没有停下过。


说到影片中的同性,同性之爱只是一个时髦的包装盒,盒子里面却依旧是王式的爱情故事,一对恋人的反复纠缠,分分离离。当然你也可以把这个看作是王家卫特意把同性之爱描写的和一般爱情没有什么不一样,见仁见智。但事实上,这个在当时很热的题材对导演确有吸引眼球的加分效用。

画面方面则是完完全全的杜可风风格,构图,用光都十分的浪漫抽象,片头的黑白画面很有质感,也表现了黎耀辉这个角色心中对这段与何宝荣分离时的感觉,沉重,灰色。“重新来过”之后画面转为彩色,也响应了人物心情的变化。

大家都知道香港导演都喜欢在精心设计过的小场景里面发挥,王家卫自然也是个中高手,曝光度最多也是最有感觉的场景自然是两人同住的小寓所。黎耀辉居住的小屋给人的感觉就是潮潮的暖暖的,也就给感情的酝酿创造了绝好的客观条件。于是两人在小屋里面的打打闹闹,哭哭笑笑都格外的有味道。

王家卫电影中,外表冷漠的人物往往会在不经意之中表现出自己的软弱之处。也正是这点让王家卫的电影格外好看,大家都是这样,不肯表现自己的软弱却又愿意看到别人的脆弱。可能是这样会让我们更有安全感:原来每个人都是一样的不堪一击。

何宝荣在黎耀辉离开阿根廷之后回到两人曾经住过的公寓,暗自舔舐着自己的伤口;黎耀辉则是在对着录音机的时候,失声哽咽,泣不成声。这些细节都让观景者深深感动并且铭记。

梁朝伟在凭借此片领取金像奖影帝的时候说,多谢有张国荣这样一个好对手。恩,若不是角色的尴尬性,我相信这个影帝应该是属于哥哥的。这个差别从那场床戏就完美的体现出来了,梁朝伟显得多少有些拘谨,远不如张国荣放的开。看完整个片子,何宝荣给人留下的印象也更为深刻,除去这个角色本身的放荡不羁,哥哥入木三分的表演也有很大的功劳。而黎耀辉的角色则太过内敛,虽然梁朝伟演这类角色也是驾轻就熟,但给人印象就不如何宝荣这个角色来的深刻。

关于张震的角色,按照墨镜原来的脾气,这个角色估计多半也能大书特书的来上一大段,一个独自离开家乡到处游历世界的年轻人,多写意啊,完全就是《阿飞正传》里面的无脚鸟,飞啊飞啊飞啊的...在删掉的镜头里面也是有张震到处旅游的大段描写,很有意思,有兴趣的同学不妨也看看。

说一说片中的回归心态,黎耀辉远走天涯海角,最终也还是回到了自己的家乡,说来也奇怪,不知道是演员的原因还是导演的故意为之,黎耀辉(梁朝伟)一回到台北整个人的状态就完全不一样了,那个气色是相当的好啊。我个人还是偏向是演员的缘故,毕竟梁朝伟自己都说在阿根廷待久了自己都快撑不住了,差点就偷跑回香港。跑题了...说回回归心态,这种心态早就在王家卫以前的电影里有所展现,对数字的敏感其实多多少少都有这种心结在里面。毕竟当时港人对回归都有一种不确定感,1997.7.1成了所有港人的“期限”。而《春光》又是在回归前夕拍摄的,于是这种心结也就显得尤为突出。片中的黎耀辉不管走到哪里最终都会回到自己的家,对于决定了香港未来的伟人逝世也表现出复杂的情感。


从《春光乍泄》开始,王家卫的风格转型幅度开始加大,对自己的叙事方式和观众的观影方式有更深刻的理解,并使两者更加靠拢。在保留了自己风格的同时扩大了自己的观众群体,斩获戛纳最佳导演也是情理之中,只是,戛纳的风情与锐意好像来得稍微晚了一点。
 
 
花样年华的故事十分迷人却又有很多人看得一头雾水。

本片的主角周慕云和苏丽珍都各自有自己的家庭。很巧的,他们在同一天搬进新租的房子,成为了隔壁邻居。由于种种原因,周的妻子和苏的老公产生了一段婚外情。最开始的时候,作者通过很多小细节来表现这一段婚外情:周慕云去接老婆却发现老婆早就走了,以及苏丽珍经常在面摊遇到同样独自吃饭的周......这其实就已经暗示了两人的伴侣不再身边,感情生活出现了问题;

逐渐的,这段不可见人的婚外情浮上台面:周的朋友阿炳告诉周看见他老婆和一个陌生男人约会。苏打电话给自己老公告诉说自己公司加班会晚一点回去,却提前回到家并感觉到自己老公和周的妻子有问题,到周的家里去探听情况;最后,苏的老公到日本出差,周的妻子却刚好从日本寄信给周,周看完之后愤怒的把信揉成一团。这些情节都渐渐的揭示了周慕云的妻子和苏丽珍的老公出轨这一事实。

一个晚上,由于下雨无法回家,两人都在面摊附近逗留。周在楼梯之上背靠墙壁抽烟,苏在楼梯下等雨停,不时的“偷看”周,适时的宣告了苏对周的好感。后来两人相约出来吃饭,席间把那两人的事摆上了台面。苏丽珍用一个“他们是怎么开始的”问题开始了对自己老公与周的妻子之间婚外情的想象与模拟,并一直用这个做为欺骗自己的借口,与周慕云约会吃饭去旅馆,都是为了调查和想像“他们是怎么开始的”。

实际上,苏丽珍的心里一直不能认同出轨,所以她一直需要一个借口。这个借口到后面就变成了写武侠小说。直到有一天,周告知她自己要去新加坡,原因是他已经在不知不觉中爱上了苏丽珍,但却知道她不可能离开自己的丈夫,并要求最后一次“演戏”,来演出自己离开时的场景。他终究去了新加坡,苏丽珍也在几年后去过一次新加坡,她到了他在新加坡的住所,抽他抽的烟,拿走了自己的拖鞋,给他打电话却没有出声只为听听他的声音。

又过了几年,苏丽珍带着自己的儿子“庸生”(取金庸,梁羽生之意,借以表现了对那个年代的怀念)重新住回了当年的房子,周也回到香港想探访当年的房东顾先生,却没有勇气敲一下隔壁的门,只剩下追忆。

好了剧情讲完了,好像没有什么问题啊。其实这个问题是周慕云的态度。很多同学搞不清楚周慕云接近苏丽珍的原因,认为那仅仅是很自然的两情相悦。事实上周最开始接触苏是因为他有个很阴暗的原因————报复。

当周发觉了自己妻子出轨之后,他就有了报复她的老公的想法,他接近苏的初衷是伤害苏丽珍:借此来报复抢走了他老婆的苏的老公,周慕云是有计划的一步一步的达到目的,最后的一步是那句著名的台词“如果有多一张船票,你会不会跟我一起走。”然而随着剧情的发展他才发现自己真的已经不知不觉中爱上了苏丽珍。他不想继续自己的计划,同时他也明白苏不会离开自己的丈夫,“我们不会像他们一样。”苏丽珍一直坚守着自己的道德底线。于是没有办法,他只能远走新加坡来逃避。

这点片中有很多地方有透露,比如在两人为最后离别时候“演戏”的那一幕里面,即使是在苏丽珍无法忍受离别的痛苦而在他肩头哭泣的时候周慕云的眼神依然若有所思的投向了远方,类似的地方还有很多,大多凭借梁朝伟的面部表情来表现,如眼神和含义暧昧的笑。连扮演周的梁朝伟自己也说,实际上他是把周当作反派来演的。为什么当作反派,就是因为他开始时是不怀好意的。这也就很好理解为什么梁生能凭借这部片子成为戛纳影帝,因为他的表演,尤其是面部表情是本片剧情的最大推力。这一点可以说是十分难得的。



花样年华的画面异常精美,华丽而夹杂着一股破败颓废之气。而饱满的色彩尤其引人注目,张曼玉身上的一套套旗袍更是让无数人为之倾心,你几乎不可能在两个不同的场景中看到张曼玉穿着同一件旗袍,据说张叔平为她做了二十多件旗袍...,精美的画面佐以浪漫十足的三拍子配乐使花样年华成为王家卫最大众,最“世俗”的一部片子。比较有趣的是,按张叔平自己的说法,这部片子之所以有那么多旗袍是因为“我要的是一种俗气难耐的不漂亮,结果人人却说漂亮”(张叔平语)。很多观众看不懂墨镜的作品,但却都能感受《花样年华》中的东方美感,这也是《花样年华》红得发紫的最大原因。


与旗袍的更换速度不相上下的是周慕云的领带,因为这个细节不怎么吸引眼球,尤其是在华美的旗袍的衬托下,所以很少人注意,但实际上,你同样很难看到梁朝伟在两个不同的场景里面打着同一根领带。这些细节除了体现出那时的人对穿着有继承了上海30年代的考究,在技术上也是有他的考量的。众所周知,在王家卫的电影里面,短镜头或者说蒙太奇的运用十分常见,这点在《花样年华》里面也是同样,经常是在相同的地点紧接着的两个镜头,时间却已经变了,比较典型的有苏丽珍借书和还书,两人在餐厅吃饭等等,这些都是凭借苏身上的旗袍来区分不同的时间的。


至于张曼玉穿着旗袍摇曳生姿地去小巷买面的慢镜更是把气氛玩到了极致,让观众大呼过瘾。不过虽然依旧有很多短镜头,《花》也算得上是王家卫难得的很“静”的电影了。“静”在王家卫的电影里面并不多见,他以前作品的镜头大多比较“碎”,画面富有动感,故事随意拼接。而在《花》里面却发生了很大的变化,镜头大多很安静克制。这当然和他用的摄影师有很大关系。如他在《重庆森林》里面用了刘伟强,于是片中的手摇镜头给人的印象十分深刻,而在《花》里面,由于李屏宾的加入使得画面更加安静和饱满。


用镜的“静态”也和导演选择用更克制的叙事方式有关,这部片子里面罕见的缺少了墨镜赖以成名的绝技之一,旁白。王家卫以往的电影里面,旁白总是一个很显眼的特色,常常是旁白在有意无意中表露了片中人物脆弱的内心。而在此片中,导演几乎是完全以旁观者的身份讲述故事,一点也没用煽情,这种克制的方式也使《花样年华》的味道更加含蓄隽永,回味无穷。

善于让演员发挥的导演有很多,比如关锦鹏,尔冬升,杜琪峰。但能够如此深度的挖掘演员气质的导演,王家卫算是不多的一个。王家卫讲到这个故事的构思的时候说,我先是没有故事的,只有梁朝伟和张曼玉两个演员,由于他们两个人身上都有一种古典的气质,于是开始构思《花样年华》这个故事。他喜欢磨演员,把演员搞得筋疲力尽,完全按本我的状态出演,这个时候拍的多半就是他想要的了。


大家耳熟能詳27个梨子,29碗馄饨面都是个中代表作。实际上,在王的影片中,演员的状态的确不一样。本片中的梁朝伟和张曼玉都让人惊艳,梁更是斩获了戛纳影帝(另外一个华人男演员获得这一殊荣的是《活着》里面的葛优),上文已经提及,梁出彩的地方主要在表情,一些很细小的容易被忽略的表情恰恰推动了剧情的发展,还有一个可能不是他问顶影帝的因素却是我个人十分欣赏的,声音,绵密内敛,磁性十足。这并不仅仅是个人魅力的问题,更是能体现演员实力。没有看粤语版的建议看看,不是说国语版配的不好,不过看原版感觉还是有所不同。


而张曼玉的表演也是十分抢眼。很多导演都称赞她的肢体语言,这点在此片中发挥的尤其好,除了那个“摇曳生姿”以外,你甚至可以从她的背影看出她现在的心情状况,落寞,伤心,欢喜。这些细微的心情都能从她的体态中读出。



王家卫是渲染情绪的大家,本片传达了一种怎么样的情绪呢?这个问题比较私人,个人经历不同,观影的感受也不同。不过仍然有一些共同点是大家都能感受的,比如依然有的拒绝和被拒绝,伤害和被伤害,人与人之间的疏离感。不过这些在《花样年华》里面已经弱了很多了,《花》更多的讲述了对过去年代的怀念和追忆和一种沧桑感,在片尾,周慕云来到历经沧桑的吴哥窟,对着墙上的洞轻声述说,或是追忆,或是悔过。正是这种感觉的完美注脚。如同片中的字幕,属于那个年代的一切都已经逝去了。剩下的只有轻叹。


公认的是,《春光乍泄》是王家卫的转型之作,较之他以前的作品,这两部影片的故事都十分简练,人物没有那么多,多少因为这个原因,每个形象都细腻立体,戏剧冲突也更加剧烈,整个作品也就更容易发力。

《花样年华》可以说是一部传承自《春》却更加成熟的作品。的确,从导演技巧上来说,这时的王家卫已经可以说是目无全牛了,信手拈来皆是佳作。无论是剧情,美术,还是音乐,表演。王家卫都很好的找到了平衡点,即不失让人沉迷其中的魅力,又少了几分小众的锐气。也因此有人说,《花样年华》使王家卫真正的走进大众的视野。这种改变是好是坏,恐怕也说不清楚,或许,这个世界上本没有对错好坏。
 
 
 
终于到了《2046》,这部电影的制作周期是王家卫电影中最长的。整个制作周期长达四至五年。同样是因为《花样年华》的大受欢迎,墨镜的受关注程度大大地增加了。于是冗长的拍摄周期受到了更多的非议。最后一刻赶场戛纳也成为业界奇谈,当然饮恨戛纳也是意料之外情理之中。


《2046》更像是一个答案而不是问题。她给出了很多墨镜以往电影遗留疑问的答案,而没有提出更多的问题。《阿飞正传》中的旭仔为什么如此的冷漠无情?《花样年华》中的周慕云对着吴哥窟的洞到底说了些什么?本片中都给出了答案。


故事是延续了《花样年华》,也因此《2046》被很多人看作是《花样年华》的续集,其实何止是《花样年华》的续集,她还可以被看作是《阿飞正传》《东邪西毒》甚至是王家卫所有电影的续集,或者说是一个ENDING。



周慕云离开了苏丽珍之后来到了新加坡,只不过他一直走不出那个“2046”也就是那段和苏丽珍相处的美好时光。2046是周慕云小说中的一列通往未来的列车,实际上就是《花样年华》中的那个酒店房间。在《花》中,周慕云最快乐的时光就是和苏丽珍在门牌号为2046的酒店房间里面一起写小说的那段日子。自从离开了苏丽珍,周慕云变得很受伤,他开始频繁出没风月场所,逢场作戏和风花雪月更是成了家常便饭,这当然是他的自我放逐。在众多的女伴之中,周与白玲的关系是着墨最多的,章子怡饰演的白玲住在他的隔壁,很自然的两人之间产生了暧昧的关系。

然而当白玲发现自己实际上是爱上了周慕云之后,此时的周慕云却早已无法打开心扉用以储藏爱情了。历经一番纠缠之后,周慕云终于还是离开了她。王洁雯和王静雯是周所住旅店老板的两个女儿,洁雯年龄很小却很早熟,喜欢胡闹。静雯有一个日本男朋友,但他父亲却十分反对她俩的交往。无奈之下,她男朋友回到了日本,两人开始了书信来往,周慕云因为帮她收信开始与她熟络起来。静雯很喜欢写小说,也帮周慕云写了不少小说,最后还是去了日本和男朋友结婚。露露是周慕云原来在夜总会认识的,然而再次见面露露却无法再记起往事,露露死去的男朋友自然是《阿飞正传》里面的旭仔,她最爱跳的恰恰也蕴藏着露露和旭仔最美好最值得追忆的时光。


露露最终被他现在的男朋友张震所杀,原因可能很大程度是被张震发现自己不过是一个替代品。在新加坡赌场,周慕云遇见了另外一个苏丽珍(巩俐),苏丽珍帮他赢钱,却也被自己的回忆拘禁无法走出,而周慕云在她身上也只是找寻自己以往爱人的点点滴滴,两人最终分离。


整部《2046》都充满了回忆和影射,按王家卫自己的话说,这是一部对自己所拍电影的总结。串起众多故事的周慕云由于受到了《花样年华》中的情伤,开始在其他女人身上寻找爱情的答案,同时也看透世间百态,这既让我们想起《东邪西毒》中为了得知被爱的感觉伤害了许多人的东邪,又带有冷漠地看着别人分分合合,纷缠究错的西毒;静雯在夜总会衣帽间工作的一段更是格外醒目的用上了《花样年华》的场景,昏黄的路灯,雨夜的街道,暖红的墙壁。周接其下班也是为了找回当时的记忆和感觉。


而露露一直不能放下前男友阿飞也是《阿飞正传》的延续,露露现在的男朋友是张震也隐隐带有旭仔的感觉(不知道为什么王导似乎总觉得张震很像哥哥,在《春光乍泄中》也有相似的手法),就算这样导演仍然觉得不够,《阿飞正传》的配乐不失时机的响起极度强烈的提醒你:这里有《阿飞正传》的影子。静雯与其日本男友分手时的一幕自然也提醒起了周慕云,一句“你愿不愿意跟我走”更是让周的内心波澜起伏,难以平静。而巩俐饰演的苏丽珍更是被周当作寻找答案的最好模版。甚至你可以认为,周慕云就是《阿飞正传》最后一个长镜头里面的那个男主角。


说《2046》像《花样年华》是因为本来整个故事都可以看作是连贯的;说《2046》像《阿飞正传》是因为两者实在是有着剪不断的千丝万缕;说《2046》像《重庆森林》则是因为两者实质上都是描写都市的冷漠情感以及探讨这种情况出现的原因,所不同的是这次这个故事披上了一层六零年代的外衣,且这件外衣比《花样年华》还要华丽耀眼。


技术上来讲,《2046》的确比《花样年华》还要魅丽,后者的克制叙事已经换成抽象却直接的风格。一方面,王家卫借用了周慕云的手构建了一个虚拟的小说中的场景,直观的表现了抽象的人物内心世界;一方面王家卫多次直白的用画外独白直接传达人物心理状态,而这种手法虽然在《东邪西毒》等影片里面十分常见,但在《花样年华》里面却很难找寻到它的踪影。另外,在这部电影中,王家卫恢复了多人物设置,着重点也就自然的放回了都市中的痴男怨女。似乎在这部电影中,导演更想一边走小众的锐意一边走讨好观众的路线。


定格完美构图和慢镜的使用也多了起来,让整部电影的气质更趋于浪漫,当然其中也不乏快速剪接的短镜头,毕竟反应意识流动一直是王家卫的标志性手法和追求。在音乐上,导演用上了很多以前用过的配乐,这既容易唤起影迷的记忆,也契合了人物的心理状况。首次加入其中的歌剧使用大大的增强了时间和空间的质感,堪称是一种突破和亮点。120多分钟的影片长度相较于以往100分钟左右的影片长度有不小的区别,除了叙事的要求,也可以看作是导演寻求突破的一种尝试。


章子怡凭借此片登顶香港金像奖影后可谓实至名归,虽然感觉上是本色演出(汗)但把一个交际花的风尘气质和作为一个普通人对爱情的向往都拿捏得很好。加上有梁生的对手戏,可以说对她提升很大,是本片中给人印象最深刻的一个角色。而梁朝伟虽然也很出色不过限于《花样年华》的角色,很难再次博取戛纳评委的惊艳之声。铩羽而归也不是十分出人意料。
FAYE的演出没有《重庆森林》中的那么让人喜爱,毕竟《重》给了你我太多的惊喜。巩俐也是很到位,不过受制于戏份不多,六零年代交际花角色还不如后面的《爱神.手》。露露显然不是当年那个露露了,岁月的痕迹留下了太多的唏嘘,倒是历经情感沧桑的感觉较有看头。


你可以说是王家卫变化不大,我更愿意说,他是用整个人生拍了一部电影
 

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楼主

2008-10-6 13:52:59
这不错,有人收藏竟没人顶
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我们不过是经过一切有如空气之对流,而万物一致对我们讳莫如深,一半出于羞耻,一半出于不可言说的希望。
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1 楼

 
 
2008-10-7 11:22:19
谢谢捧场
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2008-12-2 12:52:41
好东东,细细品
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用金庸的瓶子装上古龙的酒,让一个叫王家卫的酒保摇晃出醉生梦死的境界。
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2 楼

 
 
2008-12-13 22:30:29
用金庸的瓶子装上古龙的酒,让一个叫王家卫的酒保摇晃出醉生梦死的境界。 又是一个东邪西毒的fans,好东西是要细细品的,不过就怕我们太浮躁
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2008-12-9 13:28:33

很不错的介绍~

都市里的吟游诗人这名字起的真好

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cut the shit
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3 楼

 
 
2008-12-13 22:31:29
王家卫电影看进去会对我们这个时代绝望 哎~~~轻叹
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