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我又来了:一个90后的2012年电影年鉴与年度十佳

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2013-2-21 9:42:55

 

                                      前言

    虽说我是一名理科生,但我一年中有很长一段时间是在看电影中度过的,还有很长一段时间是在看和电影有关的书籍中度过的。所以如果不写点东西总结一下的话,太对不起自己了。

    参考一下我前几年评的年度十佳,会发现我对电影的品味是非常俗的,文字功底也很一般。但是我是一个很乐于分享的人(呵呵),所以在这把2012年值得观看的电影介绍给大家(顺便骗点访问量)。但在此之前,依照惯例,要对2012年的好莱坞和内地电影市场吐一下槽。(吐槽这段貌似有点长,而且有扯淡之嫌,各位不喜欢的话可以跳到后面的年度十佳)

  


                (《复仇者联盟》算是开启了一种难以复制的商业片模式)

   

  2012年,大洋彼岸的好莱坞总票房依旧在狂飙突进,但明眼人都看得出来,北美的电影市场依旧处于低谷,而且短期内很难反弹。我们对比着看一下1209这两年吧——12年,北美地区总票房108亿美金,09106亿,堪称“盛世”了,但09年票房冠军是《阿凡达》,一部纯粹的现象级的影片,而去年的票房冠军《复仇者联盟》则是一次筹划了多年的“全明星”表演(之前的《雷神》、《美国队长》等都是预谋)换句话说,好莱坞不是每年都能拍出这种影片的,而且,和创意井喷的09年(《飞屋环游记》、《星际迷航》、《宿醉》)不同,2012年票房的增长的最主要原因是影片产量的增长和票价的提升,但好莱坞的大佬们不管这些,他们可以继续无视电影的艺术属性,用一部部脑残的续集和翻拍继续敛财,可以说这两年的好莱坞是靠着近百年积攒下来的惯性在前进着……而近年来一直苦苦维持着维持着美国电影工业活力的独立电影,去年也吃瘪了,貌似就一部《泰迪熊》突出重围,在院线竞争中站稳了脚跟。但这不妨碍其他独立制作凭借自身良好口碑靠网络点播而大赚特赚。总之,12年的好莱坞表面繁荣,同时暗流涌动……当然,可喜的是,我们同时看到了一些电影公司正努力做着变革,比如狮门(LionsGate,就是片头很多齿轮转动的那个),七大电影公司中,狮门的市场占有率是最小的(不到百分之十),但相比于其他大公司,我更喜欢狮门,因为它的发展过程本身就很励志,习惯于对着一个类型片集中发力,这个赚钱方法是靠谱的。一开始靠《电锯惊魂》这样的片子站住脚,之后的电锯系列虽然能赚钱,但质量之差令人发指,2010年,电锯系列的剩余价值基本被榨干,狮门果断地在12年重新给自己定位,顺利地把自己的战略重心过渡到了青少年电影这一领域,《暮光之城》到底为什么会有那么多粉丝,这问题我TM到现在都没想通。狮门才不管那么多,而是不声不响的成为了《暮光之城》系列最后一部的投资人,此举在12年给他们带来了近十亿美刀。之后狮门又张罗起了《饥饿游戏》系列,从第一部来看,它具备了《暮光》的一切“优良传统”:科幻背景(《暮光》是奇幻,不过差不多)、打着动作戏的招牌谈琼瑶式的恋爱、帅得掉渣的偶像派演员……最最最最关键的是,它可以拍很多很多部续集,没准过几年,青春偶像片会取代《电锯》这样的小成本恐怖片成为狮门的新标识。凭着这些青春偶像的市场潜力,狮门在市场占有率上超过派拉蒙和二十世纪福克斯应该只是时间问题。努力求变的还有迪斯尼,09年收购了漫威,然后在12年打造出了《复仇者联盟》,在不少人心目中,这些超级英雄终究是属于漫画的,但可以预见的是,过几年在迪斯尼的主题公园里,人们会看到美国队长,会看到索尔、黑寡妇……如今的小学生长大后,一听到这些超级英雄的名字就会想起迪士尼(又黑小学生!),其周边产业带来的利润将是难以估量的。此外,迪士尼在12年收购了卢卡斯影业,把《星战》和《夺宝奇兵》系列也收入麾下,摆明了一副要老少通吃的样子……说到底,好莱坞是不喜欢变化的,但碍于观众的面子(其实是观众的钱),他们还是会做出些许改变的……



            (不管你喜不喜欢,你得承认它是一部真诚的电影)


 

    再来看看中国吧,如果说北美是“暗流涌动”,那么内地市场绝对是乱象丛生。之前看了某网友的一篇文章,大意是表达对《云图》被删减的愤慨,甚至诘问有关领导的良心,语气十分强烈,看得我怕怕的……那我们就从审查制度说起吧,目前的审查制度确实有点“人治”的意思了,什么该删?什么不该删?为什么删?都没有很明确的标准。基本广电自己说的算。甚至导致了《王的盛宴》错过了本该上映的档期。这个问题倒是有一个一劳永逸的解决方法,那就是引进分级制度。但是,内地的电影市场真的适合分级制度吗?要我说,参考当年大批陆客漂洋过海,去香港看《3D肉蒲团》的架势,如果分级制度真的推出的话,没准院线会短期被三级片霸占,这样的市场是我们想要的吗?当然,这只是个猜测罢了。内地是否适合分级制度,这我们不得而知,再说了,那些天天在网上吵吵着要取消审查制度的,多半只是想多看些外国片罢了,拜托不要因此把审查制度说成制约中国电影的第一大要素,比它严重的问题多了去了,这些问题我们一会慢慢说,在这之前,先来列点干货唱唱赞歌:12年,中国内地的总票房来到了168亿人民币(27亿美金),相较于去年的21亿美元,内地依旧是全球增长速度最快的电影市场。好了,说完好听的我们来看问题,之前那样的浮华的统计数字一次又一次的出现在电视新闻里、杂志上、广电领导的口中……但还有一些统计数字,可能被大家选择性地屏蔽了,比如,2012年,内地人均观影次数为:0.3次;比如,去年全国总共拍出近900部电影,上映的只有一百多部;再比如,之前提到的27亿美金的总票房里,有14亿来自于进口片,也就是说,国产片的总票房仅为13亿美金,这也是十年来国产片首次失去半壁江山,这还是有国产片保护月的情况。还有一些问题是数据反映不出来的,比如混乱的档期——国产保护月结束后,《TDK》、《蜘蛛侠》、《敢死队》这些电影洪水猛兽般席卷了内地市场, 国产片作鸟兽散,十月底的《谍影重重》和《全面回忆》直接逼得《寒战》、《太极2:英雄崛起》这样的电影跑去光棍节的档期了。面对好莱坞的大片,国产电影是应该谨慎选择档期,但是像这样确定了档期之后又“跳票”,就是对观众的不负责任了,也反映出了内地电影产业的不规范。至于《画皮2》这种上映前三天才公布3D消息,而且无2D银幕版,用“无赖”来形容一点也不为过。仗着区区几百万的后期3D转制费就敢大肆炒作“魔幻3D”的概念,结果呢?所谓“3D”不出意料地只作用于字幕上,票房飚红无非是因为身处国产电影保护月中罢了。但这就是国产电影的生存状态——一改再改的档期,加上蹩脚的噱头、夸张的宣传、抱几个明星的大腿,花点钱请水军督战……创作者们花了太多心思在以上这些虚无缥缈的东西上面,以至于电影本身的质量再也得不到保障。结果呢?《泰囧》闯进虎踞龙盘的贺岁档,让一些所谓“大片”头都抬不起来。

    照理来说,国产电影应该处在发展的黄金期,毕竟国内有大量的资金在涌入电影市场,可问题是(这个问题貌似在我去年评年度十佳的时候就提过了),评价一个国家是否为电影大国的标准,说到底,还得看其影片质量。制片商实在是不开窍,参考一下前几年的《疯狂的石头》、《疯狂的赛车》、再到去年的《钢的琴》不难发现,中小成本的电影才是国产片的希望,可即便如此,投资方仍然把大量的热钱投入类似《铜雀台》这样的千篇一律的古装片,好既然说到《铜雀台》我再吐槽一下,有兴趣的人可以去百度一下,会发现《铜雀台》是导演赵林山的电影处女作,一名新人导演一上手就执导这样的商业大片,这在任何一个成熟的电影工业体系下都是绝对不可能发生的事情!!!(赵林山貌似是山东省人大常委副主任,我好像懂了点什么),我知道单纯地以一部《铜雀台》这样的渣作而否定内地的古装电影是很不公平的(其实这样的渣作数不胜数哦),当然更不能把内地电影质量普遍低下的原因全都怪在这些历史题材的电影上,那我们来看看本应火爆的78月份的暑期档吧,托广电的福,国产片几乎独享了这一黄金档期,章子怡主演的《危险关系》成绩不佳,陈可辛刘伟强的古装动作片《血滴子》未能过亿,陆川的《王的盛宴》王晶《大上海》以及两部《太极》等一批大片未达预期……总之,电影创作者们在大制作,特别是历史题材这一领域已经明显地表现出了创造力的匮乏,为什么还要抱着古装片不松手呢?或许不少人还抱着“高投资+历史题材+明星抱团=高回报”这样的幻想,再加上导演极度自我的创作方式,将普通大众的审美诉求抛之脑后,成品不过是导演自言自语的历史戏说,票房尴尬之后还一副“观众水平低,不能理解我电影”的鸟样。他们忽略了很简单的一个原则:票房最大的依靠是口碑,这也就是为什么《桃姐》这样一部文艺片能从大烂片扎堆的暑期档脱颖而出……说到这里还不得不再提一下《泰囧》——一个口碑助推票房的典型案例,他成功的原因很简单——好笑。导演本身是喜剧演员,对戏剧桥段的掌控力自然强于常人,而本片最大的成功之处就在于将每一个“笑”果都发挥到了极致,比如主角在宾馆里躲在别人床下的那个段落,这个桥段已经被各种电影用过无数次了,但配上另一边王宝强给黄渤做SPA的平行剪辑,仍然能戳中观众笑点(反正我是笑了)。用高中老师的话说,就是:“有不会做的的题不要紧,但会做的题一定要拿满分。”此外,导演的姿态足够真诚,换句话说,就是一点不装逼,影片包含的大道理,没错,但一点都不深刻,熟悉此类电影的观众,看了十分钟应该就会猜出影片结尾主角会有什么转变了,但是要因为这个来批判影片没有思想性的话,就很不合适了,就好象你不能批判大卫林奇的电影不够通俗、或是批判贾樟柯的电影没有卖相——《泰囧》只负责搞笑,深度并不在其考虑范围之内,所以导演很明智的在片中塞入了大量的,密集的喜剧桥段,这样纯粹的喜剧片,就算没法戳中某些观众的笑点,至少也不会冷场。再加上王宝强独有的日和风格的表演,本片在一堆厚重(“笨重”会不会更合适?)的历史题材电影中突出重围不是什么难事。

    之前提到了王宝强的表演,这确实是《泰囧》里最大的亮点,也掩盖一些缺陷。关于本片的不足,个人认为周黎明先生看的还是比较透彻的:前几年《疯狂的石投》区区几百万投资,基本没有回收的压力,可以玩的比较洒脱,本片故事发生地定在泰国,成本肯定也水涨船高,一些疯狂的桥段显得比较刻意、用力过猛……但不管怎么说,《泰囧》(包括其前作《人在囧途1》)的剧本构架是成熟且完整的,甚至已经有了美国公路喜剧片的雏形。倒不是说我希望所有电影创作者都跑来拍这个类型的电影,我只希望他们意识到,相比于那些宏大的题材,在小人物身上发生的小故事有时更吸引人。拿好莱坞来说,无论是黄金时期的歌舞片和神经喜剧,到四十年代成型的公路片,到后来五十年代的黑色电影,再到六十年代的西部片,每种类型片都经历了初生-辉煌-落寞-涅磐这样一个过程,好莱坞才有了今天这样一个类型片百花齐放的局面。好莱坞电影的艺术性不如欧洲、它能屹立于世界电影工业之巅靠得全是类型片这一概念,作为影迷,我们不指望一夜之间“赶英超美”(这需要整个电影产业结构的调整,并非易事),但是,从制作方法上,我希望电影创作者能参考一下好莱坞的类型片。从题材上,我们希望能多出现一些关注现实、关注小人物的接地气的好电影,让我们在被二、三流的古装动作片折磨之后,仍能保持对国产电影的信心……

  再说说两件可能被大家忽略的事情,一是万达收购了AMC院线(全美第二大院线),二是数字王国媒体集团宣布破产,然后中国的一家名字我叫不出来的公司联手阿三的一家名字我叫不出来的公司收购了数字王国的特效部门。总体来说,这算两件事算是08年金融危机衍生的产物(当然也再一次证明了社会主义市场经济的优越……),那么这两起收购会给中国电影带来什么呢?首先,国产电影想指望着万达收购AMC而打开国外市场是不可能的。原因?说白了,内地电影的品质不够过硬,丢到北美去的话是守不住几块银幕的,如果硬要把华语片排进档期的话,观众会选择其他院线的更有吸引力的电影(这就是中美电影市场最主要的差别,即中国的影迷拥有的选择是非常少的,因为同一时间上映的电影都一样)。所以,这起看似非常牛掰的收购无非是中国的老板想在美国超长的院线利润链里分一杯羹罢了,和什么所谓的“文化走出去”战略没有半毛钱关系。

第二件事到有点意思,内地现在古装商业片泛滥,说到此类电影就不得不谈特效,可是拿前几年那部《赤壁》来说,单调的爆炸场面实在是让人无力吐槽,这也就是为什么《英雄》、《十面埋伏》这样的电影直接把特效环节包给了外国的公司,而事实证明,成片效果确实较国内的特效公司好不少。所以,这一起收购可能会更快、更直接地对国内电影的制作环节产生影响。当然了,如果万达能够借鉴国外优秀的院线经营模式,并把它引进内地,那绝对会给国内的电影产业带来质的飞跃的……

                                 年度十佳

12年我喜欢的电影不少,在这么多好电影中选出十部已经非常虐心的。所以我就不给他们排名了,《电影手册》不也没给年度十佳排名么……(PS:大家可以放心的看,以下内容基本不涉及剧透,至少都没有透露关键剧情)

      

《逃离德黑兰》

  既然是一份私人榜单,选片肯定要带点情感因素,2010年我把《时间旅行者的妻子》选进年度十佳,纯粹是因为片中有瑞切尔·麦克亚当斯。而我选择《逃离德黑兰》的原因也很简单——我是本.阿弗莱克的脑残粉。(当然,我指的是当导演、编剧的本.阿弗莱克,毕竟他的演技实在是太渣了

  首先得给本片一个合理的定位——这是一部商业片,是一部戏里戏外都很有趣的商业片。咱们从CIA叫停行动之后,主角在酒店的房间里喝闷酒这个镜头开始说起吧:本.阿弗莱克(下简称“小本”)饰演的主角对中情局迂腐而犹豫的做事态度甚是不满,但又感觉自己似乎无能为力,这和现实生活中的小本有几分相像——当年一起改完《心灵捕手》的剧本之后,小本对马特.达蒙说:“如果事情变得更艰难,我们只要回头找最初的自己就好了。”这话到底什么意思,是说演艺事业受挫之后要躲在家里改剧本吗?我不知道。但可以肯定的是,小本对好莱坞电影制作的模式确实是颇有微词的,但客观来说,他的编导才华注定他会在好莱坞成为殿堂级的人物。为《心灵捕手》改了剧本,直接斩获小金人;之后的《失踪宝贝》在我看来可以排进21世纪头十年最好的10部剧情片之一(个人观点);2010年的《城中大盗》,作为导演的小本已经游刃有余了,场面调度毫不含糊,仅就几场抢银行的戏来说,已经可以比肩《盗火线》了。干净、快速的剪辑和充满张力的人物对话是小本电影的标签,本片基本上也延续了这些影像风格。但是,《逃离德黑兰》和小本的前几部是有本质区别的,毕竟这是小本第一次把镜头对准自己家乡之外的地方,之前的《心灵捕手》、《失踪宝贝》、《城中大盗》讲的都是发生在波士顿的故事,这次小本把镜头对准多事的中东,选择的也是近年来比较容易出彩的政治题材,怎么看都是野心爆膨的体现,但实际上,小本电影里的第一议题永远是人性,所以影片没有试图全方位展现美伊双方的利益冲突,而是展现时代背景对当事人带来的心理影响。而导演作为旁观者,很隐晦的指出政府当时没有尽到应尽的职责,但另一方面,主角(政府官员)浑身上下都散发着美国电影里特有的个人英雄主义,影片结局也是个俗得不能再俗的“最后一秒脱险”。有批判、有依从,而孰是孰非,这得观众自己去判断。

  之前提到过,相比与同类电影,导演只花了很小的篇幅来描写时代背景,但这为数不多的几场戏都十分精彩,开头那段围攻美国大使馆的戏,混剪着纪录片里的影像资料,让人喘不过气,很好的还原了当时伊朗动荡混乱的政治局势,一边又大量穿插着大使馆内人物的面部特写,保证了导演对人性的关注始终凌驾于政治之上。值得一提的是小本对声音的应用,Russel Peters在脱口秀里调侃过,说伊朗那块的人不管说什么,听起来就像要杀人一样,本片最精彩的两段戏——开头围攻大使馆,以及影片中断一行人驱车偶遇游行的人群。导演在这两段戏里直接让人群的呼喊声取代了本应有的烘托气氛的背景音乐,我听不懂他们在喊什么,但感觉他们确实是想杀光美国人,而且我猜测导演是直接把收音设备放在人群中的,作为观众的我确实被音效震撼了……影片支线剧情主要讲的是他们怎么伪造制片厂,怎么假戏真做地筹拍这部《阿尔戈号》的。照理来说,影片基调由主线决定,但在本片中,这个支线对影片基调所起的作用甚至大过了主线,我相信这和阿兰.阿金、约翰古德曼两位配角有很大关系,特别是前者,在《阳光小美女》里面就靠着毒舌拿了一尊小金人,这次继续为老不尊。从他嘴里蹦出来的话,字字珠玑,针针见血,全是冲着美国电影业去的,他亮相之后说的第一句话是:“我一会得去领个终身成就奖,相比起来我宁可呆在家里数狗的蛋蛋上有多少皱纹”,再比如和WGA(编剧协会)就剧本版权讨价还价那段,搬出沃伦.比蒂编了一个故事,没半句真话,居然还脸不红心不跳……阿金饰演的制片人在好莱坞这个“靠说谎为生”的地方玩的游刃有余,而小本就是借这个人物把美国电影工业里能讽刺的都讽刺了个遍。以至于我们在看他们“筹备”剧本时,完全已经忘记了远方还有六、七十个人身处险境……一边是充满喜感,阳光灿烂的加州,一边是阴冷凶险,时局动荡的伊朗,这两条线索就这样并行穿梭于这两个小时里,小本还不忘用平行剪辑把两条线结合起来——影片四十分钟左右,伊朗的发言人在宣读他们将采取的整治措施,而剧组这边穿着稀奇古怪的戏服(科幻片)在朗诵剧本,导演为什么把这两段戏剪在一起?除了想说明政治这种东西和拍戏一样荒诞,我想不出别的答案了……

  再说点题外话,影片中有个细节值得关注,可以映射好莱坞编剧的生存状况。33分钟左右,主角看着桌上的一大叠编剧们寄给制片人的剧本,纸的左侧有三个洞,但我们看到的剧本无一里外的都只插了两个图钉——因为那些把三个洞都打上图钉的编剧,不管他们在这个剧本上倾注了多少心血,他们的剧本会直接被扔进垃圾桶,甚至不会被翻一下。为什么?这是好莱坞一个不成文的规定,因为你的剧本可能会被拿去影印,而助手不想花那么多时间来拆三个图钉。这原因听起来可能很荒谬,但这就是事实。类似的规矩还有很多,比如图钉要用一又四分之一#5黄铜螺丝的图钉、不要扩展对白的页边距、从头到尾(从头到尾!)不能有错别字或拼写错误……稍有不慎,编剧几个月的心血会被扔进垃圾桶里,这是不是太残酷了?制片人办公室里堆着上千个待审的剧本,丢掉几份真的不可惜。 为什么要说这些?波兰斯基花了两三个星期就写出了《罗斯玛丽的婴儿》,但这毕竟是个例,大多数电影创作者的生活远比我们想象的艰苦,所以,批评电影的时候下手轻点,编剧导演都不容易。同样,我写这么多东西也很不容易,求轻喷。




《杀手乔》

  其实本片在2011年的威尼斯电影节上就亮相了,严格意义上来说,它算是11年的片子。我把它放在这是因为它在2012年才在北美上映,当然,更主要的原因是,我个人对黑色幽默电影的喜爱已经到了近乎偏执的程度……

  黑色幽默也分两种,盖里奇为代表的癫狂奔放型的(也就是宁浩借鉴的类型),还有一种是科恩兄弟为代表的闷骚内敛型的。前者在影院放映的效果是笑声不断,而后者的效果则是大部分观众看得“两股战战,几欲先走”,而有那么几个人却笑得没心没肺。两种类型的区别其实挺显著的,但确实比较难用语言描述,总的来说,前者的黑色幽默会创造戏剧性,而后者的黑色幽默则给影片一种怪诞的真实感。《杀手乔》就属于第二种类型的,只不过本片的导演——威廉.弗莱德金(没错,就是《法国贩毒网》、《驱魔人》的导演)给影片赋予了更隐晦的幽默和更露骨的暴力,“轻轻松松”拿了个NC-17的分级……

  单看剧情——一个离异家庭,父亲和继母联手联手两个小孩雇凶杀死母亲,骗取保险……(接下来就不剧透了),总之,是一个很常见的案中案的故事,但本片的不同之处在于,全片里没有哪怕一个惹人喜爱的角色,主人公(就是杀手乔)的阴冷暴劣自不必说,处于相对弱势一方的一家子,本应负责勾起观众同情心,可实际上四个人都是奇葩,就连给人第一印象相对正常的小女儿也不例外(影片最后开枪杀人就是其内心绝望阴暗很好的体现)。而且导演坚信,他如此极端的渲染暴力,无非是把社会本来的面目揭露给大家看罢了,也就是说,片中没有绝对的善和绝对的恶,只有暴力是绝对的。这也就是为什么作为警察兼职杀手的男主角能在影片高潮部分化身成剧中各种罪行的审判者——因为他本身就是绝对暴力的拥有者和实施者(结尾部分很精彩,一会再说)。总之,导演给我们创造了一种不可理喻的家庭伦理和社会秩序,却又让剧中人显得对此司空见惯、比如埃米尔赫斯基被打得半死之后爬回家里,家里人围上来,象征性地问候了两句就跑回去睡觉了;再比如杀手乔一丝不挂的在别人家里当着别人的面,若无其事地走来走去(片中多次出现这样的场景),也就是说,除了贯穿始终的暴力,令人发毛的黑色气质已经渗透在剧本的每一个细节中了。

  再说说影片神一般的结尾,也就是之前提到的主角化身“审判者”的过程。把杀手乔比作魔鬼的话,会发现影片中是没有驱魔人的,因为驱魔人本身兼职魔鬼(警察兼杀手),所以,从某种角度来说,杀手乔就是这个世界里的“上帝”,因为他是唯一有能力施展暴力的个体,所以我们才看到了高潮戏的这一幕——杀手乔像一个正经警察一样审问着继母,之后又残暴地强迫继母吃鸡腿,看过这一幕的人应该都会被震撼到的,因为导演完整的保留了真实的时间长度,作为观众的我们没有选择,被迫从头到尾目睹了整个过程(KFC的鸡腿以道具身份不幸躺枪,我相信看过本片的人短时间内去KFC吃鸡腿会心有余悸的)。在以两种身份侮辱完这家人之后,杀手乔还能命令他们围坐在一起吃饭,就像刚什么都没发生过一样,这不就是至高无上的掌控力的体现吗?

  而结尾,小女儿举枪崩了几个家人,最终把枪对准杀手乔。导演在这里给了个开放式的结局,杀手乔死了没?不知道,也不需要知道,杀手乔此时明显孬了,正好印证了本片的母题——暴力掌控一切。

  再说表演吧,马修.麦克康纳修(Matthew McConaughey)这两年选片的眼光还是很毒到的,不论是去年的《林肯律师》还是这部《杀手乔》,他都能在静如止水的表演中显露角色内心的阴暗面。片中有这样一个镜头,就在他强迫继母吃鸡腿时,导演有意无意地采用了过度曝光,还在画面中加入了淡蓝的色调,然后镜头仰拍着他扭曲的面部,《蓝丝绒》里的丹尼斯.霍伯在这一刻灵魂附体……




《被解放的姜戈》

  “西部”是什么?它是一个地点概念,同时也是一个时间概念。有点像武侠迷眼中的“江湖”,对于大部分人来说,想到“江湖”,大多会想到刀光剑影,侠骨柔情,但对于新时代的某些人来说,“江湖”则意味着去发廊做个洗剪吹非主流发型,叼着烟,骑着电绵羊,腰间别着马刀在学校门口等着砍人……同样,随着时间的推移,“西部”这个概念伴随着西部片的没落,也渐渐地变得模糊了,虽说每年都会冒出那么一两部西部片,提醒我们这个类型片曾经在长达十年的时间里统治银幕,其中也不乏《决斗犹马镇》、《刺杀神枪侠》、《大地惊雷》这样的佳作,但是,这些零星的西部片已经很难形成风潮了,究其原因,估计是人们很难在对当年的西进运动提起兴趣了,再说,1968年的《关山飞渡》和《西部往事》把西部片推上巅峰的同时,也宣告了西部片的死刑,40多年了,同类型电影无出其右……

  那么,《被解放的姜戈》有可能复兴西部片吗?不可能。本片不过是昆汀对西部片一次五体投地的膜拜罢了。我接下来说的这句话有马后炮嫌疑,但是——我早就知道昆汀要拍西部片了!我推断没错的话,他作为一个60后,童年应该是在西部片的陪伴下度过的,像他这种“迷影类”的导演,肯定得把自己童年记忆搬上银幕的(参考蒂姆伯顿和他的《科学乖狗》)。当然,最主要的原因,是因为西部才是昆汀的故事最好的背景。由于当年那部《低俗小说》实在太出名,搞的不少人误以为昆汀是靠非线性叙事吃饭的,错!汤姆提克威这种才是靠非线性叙事吃饭的,玩叙事是很危险的,一不小心就玩砸了(比如去年《云图》),而昆汀的电影用一字概括足矣——“爽”,本人并非昆汀影迷,但我觉得一个人如果想自称是昆汀影迷的话,肯定得把他编剧的那部《杀出个黎明》看个至少两三遍,影片把他的恶趣味展现的淋漓尽致,而这种恶趣味延续到了之后的《杀死比尔》系列中,人们把片中动感的配乐、夸张的打斗、飞溅的血浆归结起来,冠以“暴力美学”的称号。而真正喜欢昆汀的人都知道,他只是一个尚未脱离低级趣味的热爱电影的老男孩,说白了就是“俗”,正是这种低姿态的创作风格,使得他和“大师”这个称谓渐行渐远,但同时也使他成为了“史上最伟大的影迷”。

  所以,不要试图从昆汀的电影中解读过多的深层次的东西,那都是“过度诠释”。拿这部《被解放的姜戈》来说,故事发生在独立战争开始前两年,你觉得它是像《白丝带》那样探讨战争爆发原因的?拜托,昆汀上一部电影里的主角在电影院里把希特勒打得稀巴烂,“历史不过是任人打扮的小姑娘罢了”,昆汀在介绍影片第一幕发生地时懒到只用了一句“Somewhere in Texas”你觉得他还有心思去还原历史?还有人说本片探讨的是根深蒂固的种族主义,貌似有那么一点点道理(“一点点”而已),所谓种族主义,不过是给了主角一个“恨”的理由,就像《杀死比尔》里的乌玛瑟曼得有个理由大杀特杀一样。而影片中拿3K党的面罩开涮那段又一次展现了创作态度——他才不管这段戏后是否蕴藏了种族冲突的原因,只要够好笑,统统拿进来。再说影片主角对待白人的态度,以前有部讲述黑奴的电视剧《根》,片尾黑奴面对曾经的奴隶主选择以德报怨。而本片中的吉米.福克斯才不管那么多,以前白人拿鞭子抽我,好,那我也要拿鞭子抽他!而且抽出了风格,抽出了水平……这就是我之前为什么说“西部才是昆汀的故事最好的背景”——只有在西部这样快意恩仇的无主之地,昆汀的角色才能在放下枪时肆意的胡扯、在提起枪时肆意的杀人,可以在众目睽睽下把警长打趴,可以大摇大摆地在炸掉一栋房子后戴上墨镜摆个POSE。相比与《无耻混蛋》中横尸百万的战场,昆汀似乎为自己的暴力美学找到了更好的归宿……

  所以,如果硬要给本片加分类标签的话,它首先是一部昆汀的电影(个人感觉昆汀的电影可以自成一派了),其次是一部B级片,再其次才是西部片。除了熟悉的“子弹打西瓜”式的枪战场景,我们还看到了不少熟悉的元素,比如昆汀片中从来不缺的性隐喻,而本片中的这个是最诡异的,最怪诞、也是最贱的(牙医车上用弹簧固定的牙齿);比如昆汀在片中习惯性的客串一个路人,而且往往是死得最惨的路人(本片中被拦腰炸断);比如屡试不爽的“爆蛋”;再比如角色们莫名其妙的死亡方式(片中因为莱昂纳多坚持要握手导致两个角色瞬间挂掉,像不像《低俗小说》里的特拉沃尔塔为了拉泡屎而送命?)……昆汀在最近两部作品中启用克里斯托弗.沃尔兹,使得影片有了那么一点高雅的气质,在本片中那场晚餐的戏里,我们也感受到了昆汀在艺术设计方面的讲究,这对我们来说是挺新鲜的。但总体来说,类型的杂糅、符号化的人物……这依旧是我们熟悉而喜爱的那个昆汀。

  最后说个小彩蛋吧,本片改编自1966年一部同题材的电影,那片中老版姜哥的扮演者也出现出现在了本片中——他在吧台边偶遇男主角,一脸不屑的问:“你是谁。”主角答:“姜哥(Django),‘D’不发音。”老姜哥冷冷地回一句:“我当然知道。”影片此时仿佛完成了时间穿越,把老影迷带回了那个西部片的黄金年代,而昆汀按自己的方式改造大西部的同时,也不忘以这种方式向当年纯正的西部片致敬。




《壁花少年》 

  本片给我带来的触动实在太过强烈,以至于写这篇评论的时候不知从何下笔。要不就从片中第一个打动我的镜头说起吧(第27分钟左右)——原本性格孤僻的男主角在结识了SamPatrick后,三人开车兜风,车里的音响突然开始播放David Bowie的那首《Heroes》(吐槽一下,本片背景设定在1991年,David Bowie70年代就唱出这首<Heroes>了,身为摇滚乐迷的主角们居然说不知道这首歌叫什么?!) ,然后汽车驶入隧道,画面瞬间被隧道内金黄色的灯光填满,再加上粗砺的画面质感,观众仿佛就和主角一起被丢进了盛夏夜湿热的空气中。接着,在Davie Bowie迷离的嗓音中,Sam在车的后斗上站起身来张开双臂,等待隧道尽头的风景扑面而来(很容易联想到《泰坦尼克》)……这段戏不长,对剧情也几乎没有任何推动作用的,不过是三位主角听着迷幻摇滚进行的一次情感宣泄,宣泄什么情感?他们自己也不知道。这组全片最美的镜头,恰恰也是影片内核的集中体现——青春美吗?美。为什么美?我们自己也说不出来。片尾,三位主角聚首,已经毕业的Sam说她找到了那首歌并把它录进了磁带,三人便上车驶向之前那个隧道,然后,同样是金黄的灯光,同样是被仿佛加热过的空气,不同的是,这次从后斗上站起来的换成了Charlie,Sam向后看去,“满眼都是一年前的自己”——自己找好了歌,坐车进入同样的隧道,却很难再找回之前的感觉了。一言蔽之就是“物是人非”。但很难说这就是本片的主题,事实上,本片就是由一大串随机的事件、杂糅的情感混合而成的,而这才是青春的本质!这就是为什么这个主线相对模糊的故事能让观众看得津津有味,因为我们都或多或少从银幕里到自己青春的影子,而一个人是不可能不为属于自己的青春着迷的。

  说到底,这是一部情感大过叙事的电影,我一直坚信“讲故事”是电影创作的绝对核心,这次貌似被打脸了(但话说回来,本片的导演就是小说的作者,这种自己翻拍自己小说的情况是非常非常罕见的,本片自然有一些同类影片不具有的特质)。之前比较精彩的青春期电影,比如《春天不是读书天》,其剧本都遵循着比较传统的技巧,比如十分钟小高潮、中段顶峰、进入剧本最后一幕前的低谷、最后一幕反转等……(不要觉得传统等于老土,很多前人总结下来的编剧法则确实是金科玉律,而很多看似牛逼的创新到后来都变成了傻逼),但在在本片中,我们几乎看不到类似叙事结构,仿佛影片的任何时刻都可能迎来剧情的转折或是情感的高潮和低谷(新鲜、不可预知,本身就是青春期的特质)。此外,布莱克.斯奈德的《救猫咪》和威廉.M.埃克斯的《你的剧本逊毙了》都提到过剧本的B故事必须在结尾对A故事产生重大影响(终于知道专业课分数为什么这么低了,都在看这种闲书……),这在片中倒是有比较好的体现,可问题是,本片基本模糊了AB(主线、支线)故事的概念,本片故事的主线是什么?主角如何摆脱儿时被亲戚性侵的阴影?还是主角和Sam之间一段类似于《三重门》的感情故事?(Sam在这里是女名,Samatha的缩写),还是一个有作者自传色彩的文学改变命运的故事?总之,很难为本片概括出主线,事实上,对于大部分人来说,青春期本身就是在一堆不大不小的事中度过的,而这些事又都在潜移默化的影响着我们的人生观。同理,片中这些交织在一起的线索最终促成了主角内心的转变,剧本结构松散无所谓,但原则上,如果一个故事没办法是其主人公内心发生改变,那么这个故事压根没有被搬上银幕的必要……

  接着之前说的“主角内心的转变”。不少人在评价本片时会用到“青春期焦虑症”这个词,其实在我看来,导演把主角设定为一个孤僻的,上高中之前没什么朋友的孩子,不过是放大了人人都有的渴望被别人接受的心理,也就是归属感。说到底,没有朋友在很大程度上就意味着不被接受,所以导演通过放大观众心中这个深层的恐惧,来让影片和观众产生共鸣。主角一开始试图和PatrickSam成为朋友的行为,初衷只有一个,就是发自内心的希望在这个新的人生阶段能有更好的生活(主角改善生活的方法就是试图交新朋友),结合我的自身经历(相信也是不少同龄人的经历),所谓“焦虑”其实不过是对近在咫尺的未来的憧憬,比如高中时期盼着高考过后的日子,而真正的焦虑是在发现大学生活也好不到哪去、而且一转眼就要毕业走进社会时才真正井喷。本片导演(原著作者)在写书时20岁出头,现在40多岁了回过头来拍出这部电影,他经历过所谓的“焦虑”,然后像一个从未来回来的先知一样,在影片结尾处借刚毕业的Sam之口说出了:“Its another world , and it gets better.

这句台词就是影片里无穷正能量的集中体现,这也就是为什么影片结尾在隧道里,我们在主角脸上再也看不到对未知未来的恐惧,相反地,他可以以一种非常豪迈的姿态拥抱这种青春期特有的迷茫。之前说了本片的格局十分松散,但如果一定要找出一句能高度概括全片的台词,那就是:“I can see it , this one moment when you know you are not a sad story, YOU ARE ALIVE!

  下面再说说人物,得先从Sam说起,为什么呢?并不是因为她的表演者是艾玛.沃特森(片中最有名气的演员),而是因为这个人物就是剧情发展的第一推动力,换句话说,男主角这个屌丝做的很多很多事无非是为了和女神套近乎,Sam是一个符号,在青春期的某个特定的时段,她就是你梦想、幻想的全部。而Sam本身独一无二的脆弱气质又让他区别于其他类型片中的女神,她丝毫不掩饰自己对男主角的喜爱,也会因男主角没有大胆追求自己而抱怨,就凭这个,给她颁个“最亲民女神奖”一点不为过。我不知道能看到这里的有多少艾玛.沃特森的影迷,很抱歉地告诉你们,即使手握这么一个容易出彩的角色,艾玛的表现只是将将及格而已(个人意见,不喜勿喷),而很大原因在于——男配角Patrick的扮演者艾兹拉.米勒实在是太太太出彩了,本人鉴赏电影的水平一般,但是对于年轻演员的潜力,我一般是不会看走眼的(例子我就不举了,这种例子举出来也没人信)。参考一下米勒去年演的《我们需要谈谈凯文》,会发现这位小男生阴柔的气质一点没变,但去年的阴柔恐怖得让人发毛,今年的《壁花少年》里,谈及屋子里最漂亮的人时,他一句“Lets face it,Id smoke all you bitches”足以展现其内心的强大,而他在模仿《洛基恐怖秀》时展现的妩媚气质十分接近David Bowie,不知道导演是不是有意为之(顺便说下,导演对《洛基恐怖秀》这样的Cult电影的致敬态度也是我喜欢本片的原因之一)。总之,他确实是我在银幕上看到的最自信、最自我、最不羁、最潇洒的Gay(大胆预测一下:艾兹拉.米勒30岁前拿到至少一次奥斯卡提名,50岁前拿到至少一座小金人)。 

  最后讲主角吧,本片的名字是《perks of being a wallflower》,直译过来是“当壁花的好处”,“壁花本意是桂竹香,生命力很强,后来指代舞会或聚会中,坐在角落,无人问津的人(没什么特别的,高中生对这种借物喻人的修辞手法都是很敏感的),放在本片中,指的就是主角享受孤独,愿意倾听的特质。这里不得不再说一下主角和Sam,这俩人的关系未来会发展成什么样呢?他们俩的关系其实挺像《蓝色大门》里的张世豪和孟克柔,即“友达之上”。但在这里做一个严肃而又大胆的猜测——他俩发展成炮友也不是不可能……总之本片是一部充满苦楚的电影,因为片中每个人物都被青春狠狠地伤害过,但这无疑又是一部积极的电影,因为每个人都在挣扎着爬出痛苦的泥潭。

  顺便再扯点题外话,之前通过不少媒介接触过一些大学生拍的青春期题材的微电影,感觉最大的问题出在画外音的使用上(或者说是滥用),这些画外音确实都文艺得一逼,但创作者却没能通过角色自身的行为和故事自身的发展来展现青春期的甜蜜和残酷。举个例子,我不止一次地看到角色从一个地方走到另一个地方,然后镜头跟着从一个角度水平摇到另一个角度,期间主角啥都没做,啥都没做啊!光给观众听画外音了。这样一来,找个人来单纯的朗诵画外音就行了,拍微电影做什么?另外一个问题,对话,之前在一本编剧书里看到这样一个方法:即跑到餐厅、或是咖啡厅里偷听隔壁桌的对话,偷听的不是对话的内容,而是他们说话的方式。咱们创作的微电影里,对话内容非常文艺我倒是不在乎,问题是,演员说台词的方式也文艺得半死,至少在我看来绝对不是平常人聊天时的状态(莫非是我接触的人都太土鳖了?)。第三个问题,无脑模仿,这个问题倒不是特别常见,但一旦被发现,基本上宣判这部微电影的死刑,之前看过一部作品,背景音乐用的是The Temper Trap的《Sweet Disposition》女主角带着轻微漏音的耳机走进电梯里邂逅男主角……配乐、演员走位、场景布置和《和莎莫的500天》百分百同步,适度模仿是致敬,但这种程度的模仿基本上就是抄袭了。倒不是我要喷这些青春微电影的创作者,真要喷的话,我也没这资格。作为一个普通工科男,我很羡慕他们有这样的机会把属于自己的青春搬上银幕,我只是想说,如果有机会接着拍类似题材的话,《壁花少年》是一部不错的参考电影(哇塞居然把话题扯回来了!),个人认为上面题的三个意见还是比较中肯的,如果有人觉得我装逼的话,我抢先一步自我批评一下:“你行你上啊!!(You Can You Up!)”。

  说了这么多废话,本片究竟好在哪里,我貌似还是没说清楚(语言功底有限),但说到底,我们都会在片中寻找自己的影子,至于感动我们的是这部电影,还是这部电影引发的对逝去的青春年华的联想(我指的是那些中老年观众,作者我还抓着青春的尾巴呢),这已经不重要了,重要的是,看完本片之后,能像主角那样喊出一句:“I feel so fucking alive!




《月升王国》

  关于本片,能说的东西不多。这依然是我们熟悉的那个“不羁放纵爱自由”的韦斯.安德森,从拍出片《瓶装火箭》到现在,他电影的故事在变、母题在变,但带给我们轻松愉悦的观影体验却一直没变。

  故事发生在一个岛上,而这座岛也成了导演电影美学的载体,它美,而且美的很有个性,影片前半段,画面里的小岛笼罩在暖暖的淡黄色中,和16mm胶片带来的颗粒感相得益彰,导演完全模糊了时间概念、抛弃了所谓“时代背景”,让影片看起来更像一部童话。电影的后半部分,随着风暴的临近,影片色调越来越暗,小岛看起来也越发的神秘诡异,而发生在教堂顶上高潮戏,伴随着电闪雷鸣,甚至会让人联想到《科学怪人》这样的早期恐怖片……

  再说一下故事吧,影片开场的背景音乐是《青少年管弦乐队指南》,这支曲子创作的本意就是将管弦乐队的各个部分拆分、向青少年介绍一个严谨有序的音乐世界,导演在此暗示了影片内核——即通过小孩子的视角解构成人世界。而剧情总结起来就两个字:私奔。广义上来说,“私奔”核心就是两个不能相爱的人硬要相爱,这样看来,从影史经典《泰坦尼克》到一地狗血的《暮光之城》,都算是私奔电影(说到底,和《罗密欧与朱丽叶》是同一个母题)。但在这部《月升王国》中,我们看不到任何“你浓我浓”、“你跳我跳”的桥段,由于男女主角也就十一二岁左右,这场所谓的“私奔”看起来更像是过家家,一路上男主角更是长时间地化身贝爷,向我们传授野外生存的各种技能。总之,这是一次非典型性私奔,甚至可以说男女主角出逃的原因根本不是所谓爱情。来看一下影片中段两个人在海滩上的这段戏,这可能是影史上最蛋疼、最不浪漫,但也是最萌的一段表白戏,音乐响起,男女主角开始“跳舞”,之所以要加引号,是因为两个人舞动的节奏和音乐完全不搭(按我的猜测,就是男主角平常看大人是这么扭的,觉得跳舞就该这么跳 )然后两个人开始接吻,可能有不少家长误以为本片是儿童片,带着小孩看电影,这时估计吐出一口老血,忙着捂小孩的眼睛。期间小男孩居然还停下来“呸”的一声吐掉嘴里的沙子,换作正常人,这吻戏应该是进行不下去了,但片中女孩完全没有停下的意思,还继续很严肃地问:“Can you French Kiss?”,男主角的回答更雷:“I think so,is there any secret to it?(有什么诀窍吗?)”之后两个人像做实验似的开始French Kiss……这场“毫无美感”的爱情戏却非常真实的反映了男女主角的心理状态,他们私奔的根本原因,并非爱情,而是想体验大人们的生活,想感受大人的内心世界。而什么事情是大人能做,小孩不能做的?不就是谈恋爱吗。所以说,爱情只是载体,故事的核心是两个小孩如何快马加鞭地逃离童年,但也只有这份生涩和真诚,才能勾勒出蜕变时的可爱。

  影片结尾,大人们晓之以理动之以情,两个小孩放弃了私奔的计划,整个画面瞬间又充满了开头那种蛋黄的暖色调,在经历了一阵“狂飙突进”之后,来那个为主角放慢了自己成长的速度,回归家庭意味着他们重新接受了自己“小孩”的身份。而唯一的不同是,片尾两个人在窗台上对望,男主角说出:“see you tomorrow”时,我们确信两个人之间确实擦出了火花,也就是说,男女主角的爱情其实是在影片结尾才开始的。

 



《爱》

  迈克尔.哈内克说过这样一句话:“在我看来,那些不在意观众的导演要么在撒谎,要么是伪君子”,即便艺术成就已经到达如此高度(两次金棕榈奖),他依然用电影对“旁观者去权化”这一霸王条款进行着反复的否定,一次次的在片中和观众进行互动,让观众通过自我思索完成对电影的重构……

  相比于《钢琴教师》、《第七大陆》里的腥红的血色和《白丝带》里阴暗的人性。客观来说,本片确实是哈内克口味最轻的的一部片子,但骨子里,它和哈内克以往的作品流着相同的血液,比如一贯冷峻的镜头语言,海量的固定镜头,以及缓慢的长镜头。片中几乎所有剧情都发生在逼仄的公寓内,室内光线冷清至极,此外,导演几乎全部舍弃背景音乐,连片头片尾都只有沉默的字幕滚过,大多数时候,观众在背景中能听到的只有喘息声或是水龙头的滴水声……除了一脉相承的影像风格,导演也一如既往地尽一切可能提高观众的参与度,比如片头音乐会的那场戏,导演吧主角置于一群听众中,然后很“随意”的给了一个全景镜头,少了导演的引导,作为观众的我们压根不知道谁在演奏,不知道人群中谁是主角,这时心里难免会感到迷茫、不安。其实,《隐藏的摄像机》的结尾有过类似的把戏,导演说过,他拍片的目的是引起观众内心的躁动,要“逼着观众去做自我的心理保护,去寻找解决不适的方法”……

  歌词里唱道:“我能想到的最浪漫的事,就是和你一起慢慢变老”,但本片讲的是变老之后发生的事情,即人类最大的恐惧——衰老、死亡。而本片的残忍之处在于,把这个过程割裂成无数琐碎的生活细节铺陈在观众面前,我们看着女主角在这个过程中逐渐丧失了语言能力,丧失了对自己生命的掌控。然后,全片最残酷的镜头出现了:护士玩似的帮女主角梳头,末了还把镜子摆到她面前,逼她看着自己憔悴的样子。护士本身无心,却被老头子看在眼里,之后老头子辞退了护士。辞退了护士也就没人来照顾女主角了,这也为之后的剧情埋下伏笔。紧接着,我们迎来了影片的高潮,老头子亲手结束了老伴的生命,两个多小时的片子,只有这一刻,我们才嗅到了一丝哈内克惯有的暴力的气息。不同的是,此处的暴力并非阴暗人性的衍生物,而是纯粹的痛苦的释放。哈内克不相信好莱坞的那套“情感宣泄”,他认为好莱坞向观众贩卖了大量虚假的答案,好像主角只要大哭一场,或者朝天大吼一声,心境就会豁然开朗。所以,哈内克没有在此给出一个简单的,能赢得观众共鸣的结局。影片中的老头子也几乎没有任何其他的情感流露,影片就像刚经历了短暂风暴的大海,又重新归于死寂。这就是全片的基调——死亡是庄严肃穆的过程,理应不加半点粉饰。而导演在展现极度悲情时也很克制的做到了不煽情、但也不留情。少了导演的指引,作为观众的我们甚至不知道自己应该愤怒?还是震惊?悲哀?这是影片最折磨人的地方,却也是哈内克最独特的地方,无论我们对此举的态度如何,我们都会回过头来审视自身。正如哈内克所说:“我是一个乐观主义者,因为我用积极的心态对待观众,我希望他们看完电影后自己去思考。”

 再来说一下女主角的扮演者女主角埃玛妞·丽娃Emmanuelle.Riva),我相信很多人对他的记忆停留在《广岛之恋》,看本片时会惊叹86岁高龄的她居然还如此美丽。而片中的她坐在轮椅上,瘫痪的手蜷缩在胸前,与优雅的面部形成怪异的对照。她自然的把衰老的自己奉献给银幕,甚至超出了以铁腕著称的迈克尔哈内克的控制,让这部冷峻间离的影片有了一丝感性色彩……




《隐秘的战争》(以及文中提到的其他优秀的纪录片)

  2012年,优秀的纪录片有很多,相比于《冒充者》中接近故事片的极具表现力的电影手法,或是《寻找小糖人》中精巧的布局和对人物内心深入的挖掘,《隐秘的战争》算不上突出,作为一部极具目性的政治性的纪录片,其影像的感染力不如《瘟疫生存指南》。如果和前几年类似的影片做纵向比较的话,它没有《华氏911》、《科伦拜恩的保龄》那样的辛辣独到、针针见血。即便如此,我还是把《隐秘的战争》选进了年度十佳,因为当其他纪录片还在讲故事与玩政治之间摇摆时,《隐秘的战争》已经对现实产生了切实的影响。本片反映的是美国军营中屡禁不止的性侵事件,开头是早期富有感染力的征兵广告,然后展现几个青年对军营生活的向往,炮制了一幅理想主义的图景。短短几分钟后,当事人一句带着哭腔的:“我遭遇了性侵。”瞬间击碎这个美丽的泡影,也让之前激昂的征兵广告有了一丝讽刺的意味。本片没有在受害者的自怜自艾中度过,导演也没有像麦克摩尔一样自己跳到镜头前激进地抨击体制。而是用铁证如山的数字晓之以理,用虎扑JRS常说的一句话就是“有干货”,如实地反映出了事态的严重性。《隐秘的战争》上映之后,已成为了美军新兵必须观看的影片,并已经为受害者基金筹集到了50万美元。正如联席议会参谋长说的:“《隐秘的战争》比过去四十年所有的的性侵报告更有深度,也更具影响力。”

  平常有人要我推荐电影来看,我跟他说某某纪录片很好看时,经常会遭到鄙夷的眼神,毕竟纪录片对于很多人来说就是冗长、沉闷、无聊的代名词。去年一部《舌尖上的中国》戳中所有华夏吃货的G点,也算是让纪录片有了一点存在感。我也趁着这个机会把近几年来优秀的纪录片推荐给大家,也希望能借此改变大家对纪录片的偏见。

  我把纪录片分为三类,第一种是自然民俗类,像《迁徙的鸟》、《微观世界》、《帝企鹅日记》、《舌尖上的中国》这样的,经常出现在国内的大银幕上,受众面也比较广,因为这样的电影里总会出现不少气势磅礴的全景镜头(《迁徙的鸟》就把航拍玩到了极致),这样的镜头放到大银幕上,绝对是让人赏心悦目的(当然,贝爷的片子是个例)。第二种类型主要关注的是人物的内心世界,像《走钢丝的人》、《凝望深渊》、《灰熊人》,从某种意义上来说,这种片子确实比较容易让人产生沉闷的感觉,毕竟不少观众很难提起兴趣和导演一起缓慢的揣测角色的内心世界。这种看法是有失偏颇的,纪录片因其独特的创作模式,不可能像故事片那样用镜头语言来增强戏剧冲突,更不核能为了一个画面重拍、补拍。换句话说,拍摄纪录片才是真正的“戴着镣铐的舞蹈”。但是影像风格从简并不代表戏剧性的削弱,比如今年很火的那部《寻找小糖人》,影片讲述的对象是一名歌手,他的专辑却在南非销售火爆,影响力堪比披头士。然而在北美,他却无人问津,专辑滞销,甚至有传闻他在一场演唱会上当场自杀。几十年后,本片的导演发掘出了这个故事,我们跟着镜头一起寻找这位歌手,意外地发现这位歌手依然活着,住在一栋摇摇欲坠的破房子里,每天在工地搬砖挣点钱(不开玩笑,真的是搬砖),导演在片中提出了这样一个问题“他的专辑在南非卖的那么火,这些钱哪去了?”。如果照着这条线索挖掘下去,本片会成为我一会要讲的第三类的纪录片,但是导演没有,他更愿意看看这位歌手在得知自己曾经在南非如此受欢迎时会作何反应,更愿意看看这位歌手飞去南非,面对那些喜欢了他几十年的歌迷时会作何感想。随着影片的推进,我们看到了一个有血有肉的人物(注意,是“人物”而非“角色”了),而导演也又一次向我们证明了:最戏剧化的东西是我们自己的生活,只是我们都没意识到这点罢了……而在2005年的那部《生于妓院》、10年的《雷斯特雷波》和去年的《冒充者》中,我们已经能看到许多大银幕上才能看到的表现手法,让故事本身的趣味性得到了最大程度的体现,甚至已经模糊了纪录片和故事片之间的界限。至于第三种,就是像《隐秘的战争》这样的极具目的性的政治纪录片,此类电影的存在就是为了要改变现存的不合理制度,内地银幕上是不会出现类似影片的,内地的创作者更不会闲着无聊去创作此类型的纪录片(原因还要细说吗?我不想被查水表),所以这第三种纪录片也是国内观众接触的最少的(至少在我周围的同龄人中是这样的),而实际上,此类纪录片却往往是最富有哲学思辨性,最有煽动性,最容易给观众洗脑的。这种类型的纪录片带给人的观影快感丝毫不亚于故事片,首先是因为选择的题材都是非常有争议的,拿麦克摩尔来说,《华氏911》直接质疑美国的反恐政策、《科伦拜恩的保龄》指出了第二修正案的弊端、《医疗内幕》抨击美国的医保体制、《资本主义:一个爱情故事》片如其名,讽刺了美国的经济体制……在这些影片中,我们会看到麦克摩尔调到镜头前去采访那些政府官员,用十分天真的表情和友善的语气问出针针见血的问题,而当对方支支吾吾答不出来时,麦克摩尔会毫不留情的给与他们脸部特写。我认为麦克摩尔的这种创作风格影响了美国近十年来的纪录片,其他导演创作的例如《宗教的荒谬》、《监守自盗》等都是带着强烈的批判色彩的,而生动睿智、字字珠玑的旁白,加上相对快速的剪辑频率,使得纪录片不再是沉闷、冗长的代名词。当然,还有像去年那部《瘟疫求生指南》那样,关注受害群体自身抗争的。总之,这就是为什么纪录片算是一个电影类型而非一种类型片——因为纪录片自身已经呈现了百花齐放的格局。

  当然,我热爱纪录片的另一个原因在于,它折射了创作者对影响近乎偏执的热爱。一部故事片的剧本,最快三个星期就可以写完,像伍迪艾伦这样一年拍一部电影毫无压力。而纪录片的创作周期更长,它不能搭影棚,导演得跋山涉水实地取景,得在茫茫的电影资料库中寻找历史上的影像资料。像沃纳.赫尔佐格这样为了拍片数次濒死于从林中的导演,我只能说他确实是在用生命热爱着影像。到头来,他们的知名度或许不及斯皮尔伯格这样的工业巨头,但他们对待电影真诚的态度绝对是值得所有人钦佩的。




《七个神经病》

  本片的导演——马丁.麦克唐纳在2008年拍出了《在布鲁日》,也是08年我最喜欢的电影,当时还特别激动写了一篇影评来表达我对那部电影的喜爱,那篇文章废话连篇语无伦次,现在,可以用一句话概括《在布鲁日》的特质了——导演就是在一边用诗意化的电影语言陶冶观众情操,一边用角色无脑的行为来试探观众下限。4年之后(靠,居然让我等了4年),导演拍出了这部《七个神经病》,如果你对之前那部《在布鲁日》足够熟悉的话(比如像我这样看个56遍),你会发现《七个神经病》虽然讲的故事和《在布鲁日》截然不同,但是片中许许多多的搞笑元素和《在布鲁日》如出一辙。当你以为这不过就是“《在布鲁日》2.0时”,你又发现导演在不知不觉中让影片有了他前作没有的深度。

  先从片名说起吧,不知道有多少小清新被“在布鲁日(In Bruges)”这么个文艺的片名吸引着去看了电影。结果片头就被主角的一句“Bruges is a shit hole”打懵了,没心没肺地笑了两个小时后,节操都找不到了。而这次《七个神经病》(Seven Psychopaths)这个名字就靠谱点,事实上,要是把《在布鲁日》的片名改为“四个神经病”,也十分贴切。因为片中所有的主要角色有一个共同的特质——神经。说得好听点是幼稚,说难听点是脑残(个人觉得后一种更贴切)。这些角色以各自的方式脑残着,或张扬,或隐晦;或文艺,或二逼。这也是马丁.麦克唐纳和盖里奇的区别:同样是黑色幽默,后者电影里的人物多半是被剧情逼傻的,角色本身并无笑点,只是在特定的情况下,结合他之前做出的选择,显得很好笑。而《在布鲁日》和《七个神经病》里的角色则不一样,他们的脑残特质是深入骨髓的,丢到任何故事中都很有喜感。前者对戏剧张力的依赖比较大,而后者更依赖演员表演和台词创作。先说表演吧,不得不佩服导演对演员喜剧天分的挖掘——《在布鲁日》里面发现了小法眉毛中蕴含的无限喜感,在本片中,又把山姆.洛克威尔、克里斯多弗.沃肯、和伍迪.哈里森拉下了水,有一种“一入喜剧深似海、从此节操是路人”的感觉。特别是伍迪.哈里森,贡献了本片里最具喜感的一出戏——他饰演的黑帮老大揣着手枪去医院找沃肯(因为沃肯偷了他的狗),跟沃肯重病住院的妻子聊了起来,聊着聊着,对旁边的轮椅产生了兴趣,坐下来像个傻逼似的转来转去……但这同时也是全片最紧张,最黑暗的一场戏,因为哈里森之前的二逼行为很难让人想到几秒钟之后,他掏出枪杀掉了沃肯的妻子。这段戏投射出了马丁的黑色幽默电影和其他同类电影的本质区别——盖里奇的片子里很少展现暴力和血腥,就算偶尔有个角色死了,死得也很有喜感。而马丁则不同,影片中血浆的使用量几乎可以赶上B级片了,换句话说,如果把“黑色幽默”拆分开的话,大多数人侧重于“幽默”、而马丁影片的核心内容是“黑色”,从这个角度来说,马丁的作品内核更接近于科恩兄弟。

  不管怎么说,《七个神经病》是有其局限性的,片中很多喜剧元素,或者说很多笑点都可以在《在布鲁日》里找到影子,举个例子,片中的角色很喜欢在对话中发表一些看似有理,其实很蠢而且严重跑题的观点,类似的台词构成了片中百分之五十以上的笑点。比如《在布鲁日》中,小法在餐厅里和一个人吵起来,吵着吵着,蹦出了一句:“当时越南人就是你这德性。”当时那路人的反应和观众一样,一头雾水,问着“越南人和这事有毛关系?”,小法却不依不挠的说:“当然有关系!越南人!”。而在本片中,这种怪诞的、无厘头的幽默感仍然在延续,导演直接在七个精神病中设置了一个越南人,而且接主角之口给观众做了个交代:“为什么是越南人?我也不知道,这样不是挺酷的吗?”。

  之前说到本片风格更接近科恩兄弟,与其说本片描述的是一个编剧创作剧本的过程,不如说描述的是一个剧本自我创作的过程,这和科恩兄弟的《巴顿芬克》极其相似。至于导演在片尾是否安排了一个反转(即主角确有那么几个朋友,但片中的故事纯粹是发生在主角脑海中的),这不重要了。毕竟作为一部喜剧片,笑果才是最重要的



《南方的野兽》

  同样是从圣丹斯电影节走出来的作品,《冬天的骨头》也被我选进了去年的年度十佳。两片都秉承着独立电影惯有的诗意。《冬天的骨头》里从头至尾贯穿着冰冷的写实派作风,《南方的野兽》同样也有一个非常现实主义的故事,描述的是美国南部一群生活方式相当原始的边缘人群的生活状态。本片改编自舞台剧,影片前半段充斥着单一的室内场景,本来作为情节重要转折的那场飓风(05年的卡特琳娜飓风)退居二线,变成了一道模糊的背景。如此一来,旁白成为了主导影片意向的主要手段,从某种意义上来说,算是用情感化的表达代替了情感本身……

  但是话说回来,作为一部改编自舞台剧的作品,再加上主角本身不善言辞的性格,保留大量独白、旁白又是必须的。作为一部格局如此小的电影,它传达的东西已经足够多了,在展现当地居民快乐淳朴的民风时,也展现了他们所要面对的恶劣的生活环境。但是,要是简单的把本片主题归结为“文明对蛮荒的征服”就不太靠谱了。事实上,本片的结尾,这群人依然得面对自己残破的家园,依然得每天为了食物而奔波,根本谈不上“征服自然”。影片中段,导演并没有选择展现南方人重建家园时的乐观互助,而是摆脱了之前的现实主义,将故事引入超现实。 之前提到的影片大量的旁白,基本上是用于展现一个六岁小女孩的世界观。她会闹小脾气,会在生气时把脸蛋和肚皮都鼓得圆圆的,但却能在片尾道出“Everybody loses the thing that made them,its even how its supposed to be in nature,the brave man stay and watch it happen ,they dont run ”这样简单而深刻的道理。全片始终处于一种情绪激昂的状态(估计是背景音乐的缘故),但父亲的离去让她意识到生活并非每天都是一场狂欢,而是充斥着残忍的真相。她的世界可以轻易被颠覆,正如一场飓风可以轻易摧毁她的家园、正如疾病可以轻而易举的摧毁他父亲的身体,但父亲身上那种南国人的勇敢最终还是植根于主角的心里。她在还没有完全理解“坚强”的含义时,已经在不知不觉地践行这个庄严的词汇了……影片也由一幅南方生活的风情画,变成了一个关于成长和家园的魔幻寓言,最终,象征着’恶劣自然环境的猛兽在主角渺小的身躯前低下了头,主角一句:“You are my friend, kind of..”让影片瞬间散发出一种天人合一的气息。




《圣殇》

  2011年,金基德带着记录他近年隐居生活的《阿里郎》亮相戛纳电影节,年仅51岁的他苍老得令人难以置信,像他这样没有接受过高等教育,当初仅凭借一腔热血闯荡电影节的导演,很大程度上是依靠其诡异何不按常理出牌的影像风格才得以立足的,这也意味着他的创作会不可避免的来到一个瓶颈期,这也是他躲进深山“隐居”的原因……不管怎么说,“出山”之后的他似乎是完成了一次小涅槃。《阿里郎》貌似拿了当年的评委会大奖,而看完去年的《圣殇》之后,影迷可以放心的说:金基德回来了。

  《圣殇》的片名取自于文艺复兴巨匠米开朗基罗的名作《圣母怜子图》,影片海报更是直接模仿原画,片中蕴含的宗教意味不言自明。影片也像他以往的作品一样,围绕着“救赎”这个命题,试图在畸形的人物关系中挖掘人性的本质。影片的主角李江道是一个靠讨债为生的人,但他讨债的方式极其残酷,总是让人缺胳膊断腿的。造成他这种近乎魔鬼的人格的原因,貌似是幼年缺乏母爱,但个人认为这种诠释太牵强了,就没有人注意到主角扭曲的性观念吗?但不管怎么说,导演在片中主要关注的是母爱的缺失,而恰好这时有个自称是她母亲的人进入了她的生活。而片中的母爱是以绝对的姿态降临的,甚至比《母亲》里来的更极端。母亲甚至会对已经摔断了腿的人再踹上两脚,就因为他骂了自己的儿子……所谓的道德观念在血亲面完全显得微不足道,所以,本片不可能落入“主人公被爱感化重归正途”这样的套路,因为畸形的人物关系必然会带来极端形式的救赎,就算“母子”间的一切情感看起来都水到渠成,观众还是没能迎来期待中温暖的结局。的确,结局称不上温暖,但足够光明,主人公为了寻找绑架母亲的人,挨个造访受害者的家庭,意识到仇恨的对象不消亡,痛苦也不会消亡,而自己就是那个仇恨的对象,之后“母亲”的死不过是促使他进行自我救赎的“最后一根稻草”。

  这是一个关于极端资本主义的故事,用金基德自己的话说,就是“如果世界可以以人为本,而非一味向‘钱’看就好了”。故事发生在一个工业小镇,到处是吐着黑烟的工厂烟囱,我们看着一个个从事制作业的个体户在这样的大背景下努力的求生,也知道他们将不可避免地被工业化大潮吞噬,而片中人物一次又一次地被迫用他们赖以生存的工业器具破坏自己的身体,也算是对被工业侵蚀的人性的一种嘲讽,主角看似是恶的化身,不过是借讨债来试探人性的底线罢了。

  顺便说一下去年的韩国电影吧,虽说我本身对棒子的文化是一点儿兴趣都没有的,但还是很羡慕韩国电影这几年的成长速度,2012年的韩国电影票房更是迎来了井喷。韩国影坛大师级人物的数量不比小日本,但却有很多优质的“工匠”。在朴赞郁和奉俊昊双双在好莱坞闯荡的同时,本土的影人也能很好的守住本土电影的精髓。我们甚至通过《建筑学概论》看到了韩国纯爱电影复兴的迹象(我承认这种电影俗,但我本来就俗人一个……),此类电影已不再是单纯的拼凑滥俗的煽情桥段(绝症啊什么的),而使用唯美的影像、细腻的故事和真诚的创作态度努力吸引影迷。再加上《借尸还魂》、《邻居》这种勇于创新的新颖题材,韩国电影的2012年真的可以用“百家争鸣”来形容,年度票房前十也只有三部来自好莱坞,其他都是本土出品,足见本土电影的强势。当然,这不代表韩国电影工业没有缺陷,比如我说的《圣殇》,就算金基德携主创一反常态做客综艺节目,不少想一睹这不金狮片的影迷还是无法在影院找到拍片(这种情况中国也有,比如贾樟柯的所有影片……),也很难说韩国电影这两年的辉煌是不是昙花一现,但话说回来,咱们自己的国产电影多久没有迎来这样的“昙花一现”了?……

                                    遗珠

(《神圣车行》)                                       (《凯撒必须死》)

既然是一份“年鉴”,我就尽量吧我能想到的去年优质的电影都整理出来给大家参考。单就影片质量来说,接下来的片子未必会输我之前提到的十部,只不过上面那十部电影更和我胃口罢了,把下面这些电影从十佳里舍去绝对是忍痛割爱。(排名不分先后,但很明显,先写的肯定是给我印象相对较深的)


《神圣车行》:那子读“hang”,当然,结合影片内容,读“xing”貌似也说得通。影片颠覆了千篇一律的观影模式,跟人以纯粹的影像和情感体验,换句话说,大部分的电影在说故事,而本片则纯粹在描绘“感觉”。此外,本片随处可见致敬大卫林奇的桥段,相信林奇迷不会错过 


《凯撒必须死》:讲述了一群重刑犯在监狱里排练莎翁的戏剧,结尾主角一句:“当我开始认识艺术史,这间牢房才开始真正地‘囚禁’我。”点明了影片内核——即艺术对灵魂的囚禁,当犯人们通过艺术认识到自己原本有更光明的选择时,当下的囚禁反而给他们带来更大的痛苦。全片灰白的画面让人想到巅峰时期的伯格曼,完美的契合了影片压抑悲伤的氛围。


《禁忌》:用最真实的色彩渲染了最幽幻的故事,用最幽幻的故事探讨最纯粹的“爱与死”的主题


《桃姐》:大家都看过,不多做介绍了


《惊天巨啸》:有人说娜奥米.瓦茨本片中的表现超过了她在《21克》里的表现,作为一名瓦茨的脑残粉,我很客观地表示这种说法纯属扯淡。但是,这的确是她最接近小金人的一次。(04年查理兹塞隆在《女魔头》里自毁形象,争不过啊……)


《钢铁苍穹》:媒体给本片的评价并不高,主要是因为夸张的表演和荒诞的剧情。我喜欢本片则主要是因为它对《奇爱博士》恰到好处的致敬。


《大师》:导演托马斯.安德森用本片强调了他在《血色将至》中关于灵魂和救赎的主题,影片画面之精美,剪辑之流畅,不输任何一部申奥作品。杰昆.菲尼克斯把一个处在崩溃边缘的人物演的有血有肉。但向来喜欢向全世界耍刁的杰昆却在颁奖季里公然炮轰奥斯卡,说后者“品位低劣”(瞎说什么大实话!),导致韦恩斯坦只能把宝压在《被解放的姜戈》身上。不过即使这样,奥斯卡仍然为杰昆献上了一个影帝提名,足见其表演的质量。


《黑暗骑士崛起》:个人认为是三部曲中最优秀的一部,汤姆哈迪得透过面具把自己的喜怒哀乐传达给观众,这个表演难度也是很大的。这个角色虽然难以比肩第二部的小丑,但二者绝对是一个档次的。此外,诺兰这种最大限度拓展影片思考空间的手法,算是挽救了目前千篇一律的超级英雄电影。


《天使的一份》:本片导演就是前几年《寻找艾瑞克》的导演,依旧在讲述小人物的故事,处于社会底层的他们,用开朗乐观代替了苦大仇深,尽管是最后非法的手段迎来了生活的转机,但观众们这时也不在乎了,而是开心地和主角们享受这属于小人物的胜利。这不就是《光猪六壮士》在银幕上的重现吗?


《普罗米修斯》:作为一名雷德利.斯科特影迷,同时又是一个忠实的《异形》迷,我可以很负责任地说,本片没有让我失望。异形系列的后几部被大卫芬奇、让.皮埃尔.热内等导演拍砸了(别误会,我挺喜欢这些导演的,但他们把《异形》拍砸了这是客观事实),所以斯科特拍这部《异形》前传有那么点“收复失地”的意思。我们在片中看到了《异形》里的幽闭恐惧,也看到了《银翼杀手》里宏大的的宇宙观,在这个到处是狗尾续貂的续集和粗制滥造的年代里,斯科特凭本片坐稳了当今科幻片导演第一人的座位。


《泰囧》:我坚信一个理论——好片不一定好笑,但好笑的一定是好片


《安全没有保障》:我在本片中看到了一个标准的、优秀的中小格局剧本所应该具有的一切特质。成就本片的并非结尾出人意料的反转,而是叙事过程中细致的情感铺垫。


《超能失控》:作为一部动作惊悚片,本片有点像《科洛弗档案》,只不过拿摄影机的变成了一个能飞来飞去的人,这使得镜头的运动不再限于推拉摇移,大大的丰富了影像空间。


《亲密治疗》:我要是说本片和韩国前几年那部《蝙蝠》是相通的,很多人肯定不信。但两片确实都在讨论当信仰和欲望发生冲突时人们的抉择,不同的是,《蝙蝠》蝙蝠的主角虽然神通广大,但是内心阴郁封闭。《亲密治疗》则是从头至尾充满温暖的气息。海伦亨特当年在《尽善尽美》中凭着普通的不能再普通的单亲妈妈的角色拿了小金人,今年《亲密治疗》中的角色尺度就大得多,但如今能以这种角色获得奥斯卡亲睐的,可能也只有她了。

  

《芭芭拉》:讲述翻墙的电影不少(柏林墙),但是本片模糊的当时东西方意识形态的对冲,而是单纯的展现一名准备逃向西德的女性的情感变化。最终,人物的自主意识战胜了政治背景的压力,影片也不动声色的变成了一首人性的赞歌。


《锈与骨》这是一个通俗的苦情故事,但这故事却是以欧洲电影特有的克制的镜头语言展现出来的。当然,最大的亮点是歌迪亚的表演。


《乌云背后的幸福线》:大卫.O.拉塞尔继续在影片中描绘复杂的人物间关系。片中布拉德利.库伯和詹妮弗.劳伦斯可能是去年最“来电”的一组银幕情侣。罗伯特.德尼罗在片中奉献了他近几年最具爆发力的一次表演。


《少年pi的奇幻漂流》:李安完成了一次关于信仰的宏大叙事,有人从片中看到了奇幻美好的童话,有人看到了冰冷残酷的现实。导演无意改变观众的世界观,只是想告诉我们,你希望世界是什么样的,它就是什么样的。退一万步说,就算有人不喜欢这个故事,镜头下绚烂而壮阔的大海也绝对值回票价了。


《航班》(《航班迫降》):迫降的细分紧张而且紧凑,影片之后的一个多小时就和开飞机没有半毛钱关系了。丹泽尔.华盛顿终于意识到自己还是演痞子比较合适,在片中的酒瘾不输《疯狂的心》中的杰夫.布里奇斯,导演也没有一味的为主角洗白,而是讲述了一个男人勇敢面对自己错误的过程。


《建筑学概论》:之前讲《圣殇》的时候提到过一次了,将爱情和建筑学巧妙的融合在一起,让日渐式微的纯爱电影有了复苏的迹象。


《科学怪狗》:什么是波顿式的哥特?和什么爆炸离子头、重金属非主流没有半毛钱关系。波顿电影的核心依旧是死亡、骷髅、黑弥散等,只不过这些黑暗的主题用童话粉饰过罢了……


《赛德克.巴莱》:我一直认为魏德圣是华语商业片导演第一人,不知道为什么本片在内地会遭到如此冷遇。


《林中小屋》:看得出本片的导演绝对是一个资深恐怖片影迷,我们可以在片中海量的恐怖元素中看到《鬼玩人》、《隔山有眼》、《鬼怪屋》、《黑暗降临》等传统恐怖片的影子,算是恐怖片集大成之作。再加上,影片像《异次元杀阵》那样散发着阴谋论的气息,也让它有了更丰富的解读空间。


《全面突袭》、《新特警判官》:这两片出奇的相似,都是纯粹的暴力电影,都让故事局限于一栋大楼中,只不过前者注重拳拳到肉的快感,后者则侧重于血脉贲张的枪战。


《皇室风流史》:本片说白了,就是一个包装在洛可可风格下的通俗爱情故事,但不可否认的是本片对对历史背景的高度还原——议会对望权的控制、严苛的审查制度,这些肃杀的元素使得影片和北欧冰冷的特质相得益彰。


《庸才》:我本身不是一个重口味的人,岛国的大师这么多,不知道为什么我偏偏喜欢上园子温……


《涉外大酒店》:还是那句话,除了性喜剧,美国的喜剧在英式幽默面前完全不值一提。


《警戒结束》:本片的故事没什么新颖的,甚至影片开始后十分钟我们就可以很轻易地猜到男二号最终会挂,影片的新颖之处在与摄影,当然,如今这种伪纪实风格的手提摄影有烂大街的趋势,不少片子是为了摇晃而摇晃,本片规避了这个雷区,没有让影像脱离故事,算是一步完成度极高的警探片。


《藏身之所》:一部标准的好莱坞动作片,没有跳出类型的禁锢,好在保留了同类型影片所有的优点。


《人狼大战》:开放性的结局拯救了全片单调的主线故事。


《孤筏重洋》:同样是描述漂洋过海的事迹,本片和《少年pi》比起来可能稍显逊色,少年pi的对手是理查德帕克,而本片主角的对手是海洋,换句话说,本片就是一首歌颂人类探险精神的赞歌,纯粹而激昂。


《黑衣人3》:抛开剧情、情怀、以及对前两部美好的记忆,本片似乎什么都不剩了。但是,当索德伯格和迈克尔曼这样的古典派导演都投身数字电影的怀抱时,本片的导演索南菲尔德(摄影师出身)依旧坚持使用胶片,本片画面被加上了一层浅蓝色的色罩,这种偏蓝、偏硬、偏冷的基调很好地契合了影片冷幽默、略带cult位的特质。我不知道导演还能在胶片这条道路上坚持多久,不管怎么说,这种对艺术略带偏执的追求还是很值得肯定的。


《魔鬼联队》:我后面仔细想想,本片的剧本其实很孱弱,但这也从侧面反映了麦克.辛扎实的表演功力。


007》:不知道为什么山姆.门德斯这种天天纠结中年危机的人会跑去拍007,不少人说这是史上最好的一部007(但我个人更喜欢《皇家赌场》),不管怎么说,本片多少涉及了邦德的童年阴影,算是在完善人物性格方面有贡献。退一万步说,总比《余温之恋》好吧。(但是TMD居然把M女士写死了,不知道我看007就是冲着朱迪丹奇去的吗?)


《欢迎来到利蕾家》:虽然我极其鄙视《暮色》系列,但是我还是很喜欢斯图尔特在文艺片中的表现。无论是《冒险乐园》还是本片,她挑选的角色多少都带点自毁倾向,这种角色对于年轻演员还是比较有挑战的,而她完成的都不错。问题来了,从滥情少女到暴劣青年,她似乎从一个坑掉到了另一个坑,接下来得考虑怎么拓宽戏路,从“坑”里爬出来,在路面上走……(我知道这比喻很烂,但实在想不出更合适的了)


《上帝保佑美国》:影片的观点可能略显激进了,幸好故事的起承转合非常流畅,两位演员的表演也毫不做作,算是对《邦尼和克莱德》一次成功的复刻。


《美国派4》:……这还要介绍么……



PS:截至目前为止《林肯》、《刺杀本拉登》、《悲惨世界》这些奥斯卡大热我都还没看,所以不好评论……

                                       尾声

    有喜欢的,肯定也有不喜欢的。我就不太喜欢《云图》,个人感觉是用故事的广度掩盖故事深度的不足。整个观影过程给我的感觉就像一个和尚在我耳边念了2个小时“善有善报恶有恶报善有善报恶有恶报……”,唯一的亮点就是化妆。还有装逼失败的柯南伯格和他的《大都会》,再比如卡司阵容空前强大,但情节突兀,故事无聊的《匪帮传奇》……观影是一件非常私人化的东西,如果我对某部片子的看法和读者不同的话,大家也别太较真,一笑而过就好了。再说厦大放假这么短(我靠!一个月都不到啊!这能叫假期吗?),也没什么时间逐字逐段的揣摩这篇文章,估计有很多错字和语病,大家当没看到就行了,你指出来我估计也懒得去改……最后,提前祝大家元宵快乐!

                                                   

                                            绝对原创,版权没有,翻录不究

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Dude wants his CARPET

楼主

管理员给此话题奖励了3分!
2013-2-21 16:47:43

“我坚信一个理论——好片不一定好笑,但好笑的一定是好片”坚决不同意楼主这个观点,例如惊声尖笑系列、《灾难电影》、《这不是斯巴达》...这些都是很恶搞很好笑的(前提是你要对北美的卖座大片都很熟悉,你才会知道笑点)但是他们剧情都很烂,都是可以一笑而过的电影。所以,我更坚信一个理论---好片不一定好笑,好笑的也不一定是好片。

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自从爱上了看电影,腿也不疼了,腰也不酸了,一口气还能上五楼!
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1 楼

 
 
2013-2-21 19:21:15
我是这么觉得的,没有绝对的好电影,如果一部电影能戳中你笑点,那么对于你来说,它就是好电影,要不怎么说观影是一件非常私人化的事情……
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Dude wants his CARPET
2013-2-22 8:53:23
我也同意这位评论者的说法,好笑的不一定是好电影。一部电影是很长时间的,不能因为几个笑点来弥补整部电影的无力。如果把笑点换成,《云图》的优点,那《云图》就是一部很不错的电影了。私以为太囧虽然投资的增长是实实在在看的到的,但整体效果不如《人在囧途》。最讽刺的是真实的春运不是大家更想看到的;而故事很飘的泰国找人,更被国人接收。
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貌似什么都没留下
2013-2-22 18:27:36
还是小说好看
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2013-2-22 20:25:28
喜剧片把你们逗笑了……你们还说这喜剧片不好……你们是用文艺片的标准来评价的吧。
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2013-2-21 16:53:03

关于楼主对其他电影的评价,写得非常好,而且看的电影又多( 我以为自己看的片够多了,没想到还是人外有人天外有天啊) ,很佩服,那才是真正喜爱电影的人!

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自从爱上了看电影,腿也不疼了,腰也不酸了,一口气还能上五楼!
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2 楼

2013-2-21 17:03:49

真的很不错,赞一个先~但是亲,可以考虑下更换背景颜色然后再稍微排下版就perfect了!

看完眼睛直接崩溃了

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You will never realize how strong you are until you have no other choice but to be strong!
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3 楼

2013-2-21 17:10:39

2012在影院看了不少 但是还是错过了一些好电影 谢谢楼主分享

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我常常蹲在路边看姑娘,忧郁的眼神,稀疏的胡茬,多少有点诗情画意的模样
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4 楼

2013-2-21 17:13:50

偶觉着 你把你12年看的电影都说完了 这完全都不能叫做“12十佳”

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优惠券总是没用就过期了…………
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5 楼

2013-2-21 17:26:05

我不是九零后,所以我不喜欢壁花少年,但我喜欢其他的所有电影表情图片

写的好棒!

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6 楼

 
 
2013-2-21 18:10:27
哈 现在90后也有23,4岁了,也不小了
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原来过的很快乐,只我一人未发觉
 
 
2013-2-21 17:51:28

“绝对原创,版权没有,翻录不究”!------楼主要注意维权啊,也许你现在不介意,但是如果以后你发现别人盗用你的文字且大言不惭的在文章后面署上自己的名字,估计你还是会生气。特别是涉及经济利益的时候。

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高举中国特色社会主义伟大旗帜,以邓小平理论和“三个代表”重要思想为指导,深入贯彻落实科学发展观,时刻践行社会主义荣辱观,努力构建社会主义和谐社会!
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7 楼

 
 
2013-2-21 19:30:36
这种过两天就沉了的帖子,不涉及经济利益吧……
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Dude wants his CARPET
2013-2-22 10:19:43
呃……你已经上首页了……
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2013-2-21 18:04:57

真心不错,阅片无数呀~~~~~~真有时间

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8 楼

2013-2-21 18:14:34

同为90后 最喜欢ARGO 壁花少年 和月升王国

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9 楼

2013-2-21 18:44:33

真棒

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大家发了好贴,一定要@精灵啊
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10 楼

2013-2-21 19:09:07

不错!比我多

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11 楼

2013-2-21 19:29:48

能码出这么多字真是厉害,今年我喜欢的恰恰在楼主下面那些叙述少的里,《神圣车行》不用多说了,《大师》《南国野兽》是今年最喜欢的两部美国片,《大师》里的景深长镜和变焦镜头用得很好剧情也不俗;《南国野兽》虽说成长话题但是表述得很自我,叙事和影像风格更像是略山寨一点的《生命之树》;《禁忌》在视听语言上比前几部更有创造力,对电影声音系统的运用独具匠心。其它2012年喜欢的作品还有蒙吉的《山之外》,同样是优秀的景深镜头和枝繁叶茂的叙事;贾法帕纳西的《这不是一部电影》,很有趣的纪录片;《爱》确实是哈内克很收敛的作品了,可能是与其老了的缘故;商业片就是李安的《少年派》了。

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我怀念的是无话可说
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12 楼

 
 
2013-2-21 19:41:34
Thanks !我去把《山之外》找来看看
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Dude wants his CARPET
 
 
2013-2-21 20:23:53

很明显楼主没有仔细理解《云图》我就不多说了

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13 楼

 
 
2013-2-21 20:47:53
萝卜青菜
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Dude wants his CARPET
2013-2-22 18:29:35
可以看小说云图,电影有些地方表现不出来
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2013-2-21 21:01:25

楼主跟我品味很像哈,外加 《无法碰触》,真诚的片子

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14 楼

 
 
2013-2-21 21:25:02
我很喜欢啊,不过貌似是11年的
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Dude wants his CARPET
2013-2-21 21:29:32
哎呀,是啊……错觉了
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2013-2-21 21:11:45

说自己是厦大的,看得出刻意

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15 楼

 
 
2013-2-21 21:24:42
不不不,我是专升本的
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Dude wants his CARPET
 
 
2013-2-21 21:48:17

好黄的帖子

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16 楼

 
 
2013-2-21 21:52:47
同上
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阿卡迪亚.....qq:67841432
 
 
2013-2-21 21:54:38

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17 楼

2013-2-21 22:03:35

看到楼主写之后直接去看了//壁花少年// 。很不错~

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我在光与影之间淹没。
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18 楼

2013-2-21 22:39:55

园子温的《爱的曝光》一定很合楼主胃口,我也很喜欢他的风格,虽然每次看完园子温的片子都有很多地方不明白,而且还有一种恶心的感觉,但是确实他电影里的荒谬感是独一无二的,很值得玩味

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尽管生活有许多无奈,但我依然有电影陪伴!!!
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19 楼

 
 
2013-2-22 8:18:29
嗯,我比较喜欢前几年那部《冰冷热带鱼》
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Dude wants his CARPET
 
 
2013-2-21 22:43:38

有不少还没看,就不说啥了,《杀手乔》觉得除了几个演员演得不错外,也没什么啊,可能就不是我的菜吧!

楼主写的很用心,不少观点也很有见地,赞一个!

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20 楼

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